一点，能有多大？它可以是微不足道的几何单位，也可以是艺术家眼中的无限宇宙。香港艺术三月，邦瀚斯两大重头戏 -「不止于红：草间弥生日本单一藏家珍藏」专场拍卖（3月28日），以及「萧勤：无限中之大我」展售会（即日至4月9日）便给出了最佳答案。
一位是只身闯荡美国纽约的日本当代艺术女王，另一位则是远赴欧洲、将华人现代艺术推向世界的抽象先锋。尽管两位艺术家人生际遇各异，创作核心却有共鸣。草间的无尽波点、萧勤的禅学「庞图」，皆以最纯粹的「点」作为视觉语汇，在作品中探索自我与存在的本质，用有限之形，叩问「无限」这个宏大的哲学命题。
本次单一藏家专场，一举带来六件草间弥生从未在市场曝光的珍品，涵盖画布、雕塑、版画与立体装置，展现多元面貌。当中以HK$1,500万 - 2,500万估价领衔的《南瓜》，更是本季香港春拍唯一大尺幅草间红色南瓜画作。
萧勤展售会则汇聚逾20件哲思之作，铺陈出这位华人先锋横跨七个十年的灵魂之旅。
关尚鹏 Marcello Kwan｜邦瀚斯 亚洲区现代及当代艺术部主管
「不止于红：草间弥生日本单一藏家珍藏」及「萧勤：无限中之大我」预展现场
Lot 3｜草间弥生（1929）《南瓜》压克力 画布
创作时间：2000年
尺幅：60 x 72 cm
签名：YAYOI KUSAMA 2000 南瓜（背面）
来源：日本私人收藏
估价：HK$15,000,000 - HK$25,000,000
草间自幼饱受家庭创伤与幻觉困扰，眼中万物总是被密密麻麻的圆点吞噬。圆点微小，却足以铺天盖地，将她淹没，但她降伏恐惧的方法很特别：既然逃不掉，那就把全世界都画满波点。
在这场与幻觉的终生搏斗中，南瓜成了她忠实战友。她在自传中忆述，南瓜那圆润、朴实而略带幽默感的形态，总能赋予她安稳的内心。
这份渊源，最早可追溯至她儿时生动清晰的幻觉情景：小学时与祖父到大型种子采集场参观，偶然瞥见一颗人头般大的南瓜，那南瓜竟栩栩如生地开口与她说话。
到了二战及战后时期，物资匮乏，草间每天以南瓜果腹，甚至吃到作呕反胃。然而，这份带着苦涩的时代记忆，没有让她厌弃南瓜，反而把之化为滋养创作的精神食粮。早在十七、八岁，南瓜已跃然纸上，草间将之投稿至地方上举办的县展，后来更成为她毕生作画的主题。
对她而言，南瓜不只是田野间的植物，更是助她抵御精神折磨的堡垒：「我很喜爱南瓜。作为我自小的心灵居所，南瓜为我心带来别具诗意的平和安宁。南瓜跟我说话，焕发庄严神圣的精神状态。它们包涵了全人类共享的生活喜悦之源。这就是让我继续创作的南瓜。」
《南瓜》局部
本场领衔的大尺幅《南瓜》，创作于2000年。相较于常见的黄黑配色，市场的红色南瓜数量较少，本作正是今季香港春拍唯一的草间红色南瓜画作。
这抹红不是简单的颜料搭配，背后藏着画家的创伤记忆与幻象根源。初到纽约的她过得艰苦，睡在坏掉的门板上，在垃圾箱捡鱼头，甚至捡拾杂货店丢掉的高丽菜叶饱腹。她回忆那时除了埋首于工作中，没有任何办法可以对抗饥饿和寒冷。
正是在这种状态下，草间创造了「无限网」，如同苦行僧般，近乎疯狂地不断挥笔，织成了一张无边无际的巨网。绵密至极的笔触，缝制了一片浩瀚的虚无。
深红与黑色的交织，正是草间于五十年代末抵达纽约时创作「无限网」的色调，也是触发她毕生创作灵感的幻觉色彩：
「某日我看到桌布的红色花纹，转移视线后居然发现天花板、玻璃窗、柱子都出现一模一样的花纹，整个房间都是，甚至连我的身体被一样红色花纹填满，当时，我产生自我消融的感觉。」
草间弥生摄于纽约工作室，1961年，可见有众多红黑配色的无限网
「消融」是理解草间的关键词，事实上也是她借创作自我救赎的过程，透过执迷地绘画「网」和「波点」，她得以「消融自我」，从中获得平静和生存动力。
画中南瓜饱满浑厚，与波点元素融合，这些大小不一、排列缜密的黑色波点，全凭画家逐笔点染，藉由日复一日的重复劳动，她将焦虑转化为平静。而南瓜背后，是另一标志元素 - 红色「无限网」，这些线条绵密交织，仿佛一张天罗地网，将波点南瓜包围。
在这片炽热的红色迷宫中，南瓜静静伫立。画作乍看之下工整严密，仿佛尺规作图，但只要走近细看，便能感受到，那些点与线绝非死板图案，而是一笔一画充满温度的生命呼吸。
2023年香港佳士得拍场，一幅同样作于2000年的红色《南瓜》，便以HK$4,030万港元成交。
草间弥生《南瓜》，2002年作｜佳士得香港，2023年，HK$4,030万港元成交
Lot 2｜草间弥生（1929）《南瓜》压克力 画布
创作时间：1990年
尺幅：18.2 x 14.2 cm
签名：Yayoi Kusama 1990 かぼちゃ（背面）
来源：日本私人收藏
估价：HK$2,000,000 - HK$4,000,000
另一幅作于1990年的黄色《南瓜》，正值草间艺术生涯的关键转折点。
当时纽约国际当代艺术中心（CICA）为她举办的首次国际回顾展刚刚结束，这可谓立下草间重返国际舞台的重要里程碑；三年后，她更首度代表日本出战威尼斯双年展，自此奠定在国际当代艺坛的地位。
到了1998年，「永恒的爱：草间弥生，1958-1968年」展览开幕，巡回纽约现代艺术博物馆（MoMA）、洛杉矶郡立艺术馆（LACMA）及东京等国际顶尖美术馆。翌年，她更举办高达13场个展，一时风头无两。
然而，在迎来这些掌声之前，草间曾走过一段漫长的幽谷。早年在纽约参与前卫艺术运动时，草间虽在当地打响名堂，但因行为惊世骇俗，一直被日本社会视为丑闻，认为她离经叛道，更被媒体冠上「丑闻女王」、「裸体的幕后黑手」等称号。
直到1973年，伴随着父亲以及爱人Joseph Cornell的离世，加上精神状况恶化、身心俱疲的草间决定归国，并自愿入住东京新宿晴和病院。在这段相对沉寂的时期，她重新拥抱了童年时的温暖意象 - 南瓜。
此南瓜画作同样集齐草间的三大经典元素：南瓜、波点、无限网，以及经典配色：明艳的黄与纯黑波点，形成强烈对比。画中的饱满南瓜，表皮攀附着无数黑色波点，沿着南瓜的天然坑纹渐变缩放，连绵聚集，立体生动。
绵延不绝的网纹将南瓜簇拥其中，草间将自己的脆弱化为力量，将深沉的幻觉体验呈现于画布之上，创造出无数波点与网状的万花筒世界，持续的创作见证着她如何在无始无终的斑驳中，寻求自我的消融。
Lot 1｜草间弥生（1929）《无题》综合媒材 雕塑
创作时间：1985年
尺寸：10 x 10 x 9.4 cm
签名：YAYOI KUSAMA 1985（底部）
来源：日本私人收藏
估价：HK$600,000 - HK$900,000
提起草间的南瓜雕塑，脑海中第一时间浮现的，或许是濑户内海直岛上那两颗静静面朝大海的巨型南瓜。惟远在这些国际打卡地标的诞生之前，草间早就在构筑她的南瓜宇宙。
八十年代，草间陆续创作出一系列经典南瓜作品。然画布上的无尽蔓延，终究装不下草间脑海汹涌的幻象；她投入立体创作，试图将那份精神寄托化为触手可及的实物。
1985年的南瓜雕塑《无题》，有别于玻璃钢或青铜大型雕塑的金属质感，这件仅10cm见方的综合媒材雕塑，能轻巧地置于掌心，多了一分生命力。
仔细看，它的身形并不工整，没有所谓标准的完美比例；表面的波点也是一笔笔人手绘上，大小错落有致。这些未经修饰的微小细节，令它有别于流水线下的产物，让这独一无二的小南瓜显得更加憨态可掬。
直岛巨型南瓜雕塑
Lot 5｜草间弥生（1929）《Nets B.O》丝网版画
创作时间：1997年
尺幅：65 x 50.3 cm
签名：13/100 Nets B.O 1997 Yayoi Kusama （底部）
来源：日本私人收藏
估价：HK$80,000 - HK$130,000
1979年，草间弥生首度对外展出版画作品。版画的可复制性质，恰好与她追求不断复制的艺术哲理不谋而合。当时草间从美国归日，笔下画作与小说多以死亡为主调；然而，她的版画作品往往色彩斑斓、图腾鲜明。透过版画，她能将自身的幻觉视野无限扩展、复制。
在《草间弥生全版画》（Yayoi Kusama Prints 1979-2017）的前言中，她写下「自从我被版画的魅力所吸引，我一直在制作版画，不断地被制作过程中所产生的光彩所震撼。」
1997年诞生的《Nets B.O》正是「无限网」斑斓变奏的例子。回顾草间五十年代在纽约初创的无限网，多以单一色彩（如纯白或鲜红）反覆堆叠，透着一股苦修般的执着。
在这幅作品中，罕见地交织了黄、蓝、绿、紫四色。草间先将四种色交错地铺满画布，再一笔一笔地画上黑色弧线，密集的彩色网眼或大或小，动势各异，如同无尽的细胞分裂，将观者的视线深深吸附于错综复杂的迷宫之中。
Lot 4｜草间弥生（1929）《萤火虫》丝网版画
创作时间：1999年
尺幅：59.5 x 47.5 cm
签名：34/100 ほたる 1999 Yayoi Kusama（底部边缘）
来源：日本私人收藏
估价：HK$80,000 - HK$130,000
紧接着在1999年问世的丝网版画《萤火虫》，同样是标志性的无限网与圆点交织。深邃的黑色网纹攀附于墨绿底色之上，色彩在层层叠加中展现出由深至浅、再由浅入深的幽微渐变。
这种精妙的明暗交错手法，巧妙利用了深浓的底色，将浅绿色的网眼映衬得格外明亮。错落有致的层次，赋予了画面一种动态的呼吸感 - 仿佛有无数绿色的微光正跟随节奏一闪一闪地跃动，让整幅画宛如一片幽暗深邃的森林，静静散发着萤火虫那神秘而迷人的点点萤光。
当中跃动着无数明艳的红色波点，由中心聚集后向外散开，散发出宁静且神秘的气息，让观者不自觉地被悄悄带入画的意境之中。
萤火虫这个充满诗意题材，后来更被草间进一步延伸，跳出平面载体，发展成震撼视觉的装置艺术。 2002年，在Louis Vuitton赞助的《草间弥生回顾展》下，草间于纽约惠特尼美术馆（Whitney Museum of American Art）打造出名为「水上萤火虫」（Fireflies on the Water）的大型镜屋。
在四面镶满镜子的昏暗房间里，虚实难辨，天花板垂吊着150盏微型灯泡，光芒在底部的静水与四周镜面间无限折射，让人仿佛置身无边无际的萤火虫之海，又像是浩瀚银河、星空，触手可及。
Lot 6｜草间弥生（1929）《镜盒：类型 A》丝印油墨盒子 镜子 有机玻璃 铁球及镜片
创作时间：2001年
尺寸：14.3 x 14.3 x 16.5 cm
签名：Yayoi Kusama（盒子）；80/280（盒子背面标签）
版数：80/280
来源：日本私人收藏
估价：HK$20,000 - HK$40,000
草间从不只在平面上作画，她更渴望让人亲身走进她眼底的无垠宇宙。这类风靡全球的「无限镜屋」，总让人排上几小时的队，只为进去迷失片刻。
2001年打造的立体装置《镜盒：类型 A》，仅凭14.3cm的大小便巧妙构筑出一间微观宇宙。这个小巧方盒外壁布满黄黑圆点，内部四面镶嵌镜片，并安放着数颗铁球。
这件波点小盒的精妙绝非一眼能看穿，玄机就在盒子侧面那道突出的黑色管道。
当观者的视线顺着管道进入，内部的铁球在层层镜面折射下无限复制与延伸，一个原本盈握在手的微小空间，在这一窥之下，竟巧妙幻化成深不见底的无垠宇宙，宛若置身巨型镜屋中。
从盒旁的黑色管道向内窥探，在镜子的反射下，铁球数量无限延伸，眼前景象如身处镜屋一般
方盒不设上盖，可从上方直望盒内布局
草间弥生用无尽蔓延的波点，对抗内心恐惧，她将创伤与幻象倾泻而出，覆盖世间万物；这不仅是她的求生本能，更是她对这个世界的诠释 - 藉由向外无尽的重复，将自我消融于天地之间。
萧勤，却反其道而行，他将毕生的哲思与万千想法，不断浓缩、提炼，将浩瀚无垠的宇宙浓缩成一记纯粹的「庞图」（Punto，意大利文，解作「点」）。这是一种「大道至简」的禅学境界，舍弃了所有繁复的表象。对他而言，这微小的一点，就是天地初开的「道」，也是通往「无限」的入口。
Lot 9｜萧勤（1935-2023）《潜》压克力 画布
创作时间：1961年
尺幅：140 x 110 cm
来源：亚洲私人收藏
Lot 2｜萧勤（1935-2023）《伏》压克力 水墨 画布
创作时间：1961年
尺幅：140 x 110 cm
来源：亚洲私人收藏
1956年，萧勤远赴西班牙，正式踏上艺术征程。冷战年代，东西方文化剧烈碰撞，但他并未迷失于西方前卫洪流，反而向内寻求自身的文化本源，牵头创立了华人艺术史上首个抽象绘画团体「东方画会」，与其他7位成员被喻为「八大响马」。
「东方画会」举办了第一届「东方画展 - 中国、西班牙现代画家联合展出」，带来成员作品及许多件西班牙前卫艺术家的作品，首创中西画家联展以及首开国内绘画团体出国展出的先例。后来，「东方画会」于海外举行超过三十次画展，引领台湾艺术以崭新的姿态踏上国际舞台。
萧勤年少时跟随版画家周瑛学习，亦曾向朱德群学习素描，由后印象派入门
六十年代，萧勤的创作迎来蜕变。
他在米兰发起「庞图国际艺术运动」，在世界各地11个国家举办了13场艺术展览，吸引了许多国际先锋艺术家参与。萧勤凭借此举，将东方的老庄哲学与静观精神推上欧洲对话桌，这是战后西方唯一由亚洲艺术家发起、以东方哲学为思想宗旨的国际前卫艺术运动。
以同年创作的《潜》为例，土黄色的底色刻意保留干涩笔触，三层色泽的庞图，宛如宇宙初生的火种；另一幅《伏》同样用色大胆，以明艳的西瓜红为底，顶端一枚绿色半圆紧贴画布边缘，似乎暗示着画框外未知的无限空间，下方一道率性白痕叠加了狂草以及水墨留白之韵。
Lot 10｜萧勤（1935-2023）《光之跃动-14》压克力 画布
创作时间：1963年
尺幅：110 x 140 cm
来源：亚洲私人收藏
Lot 3｜萧勤（1935-2023）《太阳幻觉-1》压克力 画布
创作时间：1965年
尺幅：130 x 160 cm
来源：亚洲私人收藏
随着对东方哲学的探索愈发深入，萧勤同时吸收了战后前卫的硬边与欧普艺术元素，将创作核心转向更本源的「炁」与「能量」，也捕捉更多光与色彩，展现出更为鲜活的生命力。
在《光之跃动-14》中，波浪线将画面一分为二，紫粉色的穹顶布满流星般的书法笔触 - 横、竖、撇、捺，这些渐变深蓝线条，仿佛划破夜空。转看《太阳幻觉-1》，背景如欧普艺术般尖锐交错的橙蓝条纹，中间悬浮着三层同心圆，仿佛在躁动的宇宙中守住一方宁静。
而在《光之力》中，漆黑的背景布满密密麻麻的绿色星斑，宛如宇宙星空。画面上方，由绿色与浅棕色相间的V字型线条层层叠加而成，尖端指向画面下方的一枚多层颜色的同心圆。
这些画作反覆出现的同心圆，犹如佛教的曼陀罗（Mandala），曼陀罗梵文意指「圆」或「中心」，又译作「坛城」，是象征宇宙宏大秩序与精神圆满的神圣图腾。构图多由中心向四周放射对称，方圆相间且几何精密，层层勾勒，把三千世界化成一幅缩影。
曼陀罗亦是一种仪式，象征供奉以须弥山为核心的宇宙。喇嘛会耗费数日至数月，以百万计的彩色细沙勾勒出宏伟的佛国宇宙 - 沙坛城。然而，这绚烂的艺术却在仪式结束后被毫不犹豫地扫除，沙粒被倾倒入河。这一聚一散的过程，不仅象征万物回归本心，更深刻诠释了世界万法的「无常」与「空性」。
Lot 12｜萧勤（1935-2023）《光之力》压克力 画布
创作时间：1965年
尺幅：160 x 130 cm
来源：亚洲私人收藏
Lot 21｜萧勤（1935-2023）《无限中之大我》压克力 画布
创作时间：1967年
尺幅：75 x 90 cm
来源：亚洲私人收藏
萧勤借用这个古老图腾，画出了无形的宇宙能量与「炁」，引导观者收摄心神。
「道生一， 一生二，二生三，三生万物。万物负阴而抱阳，冲气以为和。」在道家哲学中，「炁」是一种形而上的先天能量，是万物生灭流转的原始动力与「道」之本源。这并非人体后天呼吸的「气」，而是存在于宇宙万物间生生不息的疗愈能量流，所谓「炁聚则生，炁散则亡」。
萧勤不仅在画布上将这股无形之「炁」化为充满生命力的视觉张力，更付诸行动。 1989年，他在丹麦哥本哈根发起「国际SHAKTI」（炁）运动，并举办第一届「Shakti」展览，将这深邃的东方宇宙观推向了国际舞台。
《无限中之大我》画面中央，一枚「庞图」静立于炽烈如焰的鲜红之中。这不仅是觉醒的印记，更映照出佛家思想中小我融入大化、个体消融于宇宙的境界。他以极简的形状，稳稳托住了无垠的哲思。
晚年回顾这段探索期，他曾如此感叹：「这是我六十年代精神能量的最强体现，汇聚我的阅历与人生观念。整个过程之中，我一边创造，一边感悟，最终将我升华到另一境界。」
Lot 13｜萧勤（1935-2023）《莎芒妲之升华-13》压克力 画布
创作时间：1991年
尺幅：160 x 130 cm
来源：亚洲私人收藏
Lot 20｜萧勤（1935-2023）《心境-2》压克力 画布
创作时间：2016年
尺幅：200 x 270 cm
来源：亚洲私人收藏
1990年，爱女莎芒妲意外离世。锥心之痛令萧勤停笔长达九个月。当他再次站到画布前，全副心神已潜入禅学。画中褪去了早年的锐利锋芒，转而透出一种超越生死的空灵。
《莎芒妲之升华-13》中，氤氲的紫色漫过大半画布，散落浅蓝星斑，紫红色线条如流星雨般垂直落下。画面最下方，一抹纯白与暖橙静静托底，透出一种「独与天地精神往来」的浩瀚与超然。
萧勤的晚年画作更显宏观大气，2016年的《心境-2》在一片纯黑的背景里，画下一个占据半幅画布的巨大「慧眼」。这带有尖角的椭圆由十层色彩层层包覆，下方洒落星云白光，似静观宇宙流转。这幅宽近三米的磅礡巨作，透着彻底释怀的平静与浩瀚。
正如古老的拉丁谚语所言：「循此苦旅，以达天际」（Per aspera ad astra）。回顾萧勤七十年的创作轨迹，作画不仅是艺术，更是一场人生修行。他在世事变幻中，藉由画布上的圆点，走出一条澄明的悟道之路。
拍卖详情
拍卖行：香港邦瀚斯
专场：不止于红：草间弥生日本单一藏家珍藏
预展：即日至2026/3/28｜10am - 6pm
拍卖：2026/3/28｜6pm
展售会：萧勤：无限中之大我
展期：即日至2026/4/9｜10am - 6pm