二十世纪以来，艺术创作已超脱于眼前所见的物象，艺术家进一步探求以「有形」的笔触和画布，乃至巧琢而成的雕塑，呈现出「无形」的概念。
本季香港邦瀚斯现代及当代艺术拍卖，有四位从「有形」创出「无形」的中外艺术家作品。来自东瀛的河原温，与生于内地的王光乐，以截然不同的方式表达时间概念；雕塑家朱铭透过「太极系列」呈现天人合一的东方哲思；波兰画家Ewa Juszkiewicz以女性视角重新演绎古典女性肖像，掀起一场美学革命。
每一件作品都蕴藏着表象以外的深层意义，引发观者深思。接下来，让我们一起穿梭这段「有形」与「无形」的艺术旅程。
河原温（1932-2014）《NOV. 27, 1984》压克力 画布 剪报 艺术家自选箱
创作时间：1984年
尺寸：66 x 91.5 cm
估价：HK$6,000,000 - 9,000,000
聚焦艺术作品背后的思想或概念，可说是观念艺术（Conceptual Art）的核心。这股艺术思潮在1960年代兴起，强调艺术作品的思考和哲学层面，视之比作品本身更为重要。河原温正是日本战后观念艺术的重要旗手。
横跨数十载的创作生涯，河原温一直保持低调，拒绝接受采访，就连自己的展览也不会出席，只透过日复日的艺术创作，留下自己在时间洪流中存在的痕迹。
直到他于2014年逝世，代理画廊只简单宣告河原温这辈子总共活了29,771天，没有交代更多细节，可见数字与时间，是贯穿河原一生的重要命题。按数字推算，这位日本画家享寿82岁逝世。
河原温1932年生于爱知县刈谷市，成长期间正值二战。广岛与长崎先后遭原子弹轰炸，生灵涂炭的画面，为他带来严重创伤。加上战后日本社会剧变，种种经历令河原温反思「生命」、「存在」、「死亡」等命题，成为他的创作核心。
河原温的照片寥寥无几，此乃其中一张
画布背后的签名，亦是河原温的印记
1950年代高中毕业后，河原温移居东京，活跃于当地的前卫艺术圈，当时的作品以素描为主。及至1959年，河原随父亲离开日本，移居墨西哥，迎来艺术生涯的关键转折。
此后，河原一边学习现代艺术，一边到全球各地游历，直至1964年定居纽约。当时的纽约画坛，正值观念艺术兴起，认为抽象表现主义笔触充满动感的绘画方式，已失去力量和意义，转而视「观念」为创作核心，避免在画面呈现出个人情绪。
「今天」系列日期绘画，就在如此背景下诞生。整个系列以蓝、红、灰等单色画布为底，只以白色颜料标示当日日期。即使河原到了世界各地游历，仍尽可能每天创作。他会按当时身处地点的语言、日期格式及排版惯例书写日期。
从1967年开始，作品完成后，河原会为每件画作制作专属纸盒，并放入当地当天的剪报，将作品与真实世界并置，在仅有的日期以外，增添历史和文化参照。
香港大馆「河原温：自由之律，律之自由」展览现场
展出作品包括河原温逗留香港期间完成的《DEC. 23, 1978》
展品包括河原在香港完成作品当天的剪报
河原为「今天」系列订下一个特别规则，所有作品必须于当日完成，如果未能在当日午夜前完成，就会销毁作品。如此严格规定，不仅体现了艺术家的自我纪律，亦反映出他对时间流逝的深刻感知。
「今天」系列表面上是每日重复的日期书写，实则深刻体现了观念艺术的核心，只以日期、剪报记录自己的存在。透过日复一日的重复创作，回应时间的无尽流逝与存在的虚无。
自1966年起至2013年，河原总共创作了约三千幅日期绘画，创作地点遍及全球130多个城市。其中于1978年，艺术家曾经到访香港，当时完成的日期绘画，今年稍早时候于香港大馆举办的「河原温：自由之律，律之自由」回顾展亮相。
《NOV. 27, 1984》仅以白色无衬线字体标示日期
邦瀚斯带来的《NOV. 27, 1984》，画面仅以白色无衬线字体标示日期。有一点值得一提，今次拍卖定于11月27日举行，刚好是河原完成此作后整整四十一年。
毫无悬念的画面，却像打开了「时光胶囊」，让我们回望四十一年前，河原温在美国某处完成此作的情境。
河原的作品，获纽约现代艺术博物馆、旧金山现代艺术博物馆、巴黎庞比度中心、英国泰特现代美术馆等顶尖机构收藏。纽约古根汉美术馆曾于2015年为他举办回顾展「On Kawara—Silence」，艺术成就不言而喻。
放眼拍场，同样来自「今天」系列的《MAY. 1, 1987》2014年在纽约创下US$419.7万（约HK$3,270万）成交纪录，至今仍未打破。
王光乐《160116》压克力 画布
创作时间：2016年
尺寸：280 x 180 cm
估价：HK$1,600,000 - 2,400,000
同样以时间概念为创作主轴，王光乐与河原温采取截然不同的表达。
王光乐生于1976年，被视为中国观念艺术与抽象绘画先驱。2000年，这位福建人在中央美术学院油画系毕业。尽管所属的油画系第一工作室，素以严谨的古典写实绘画训练见称，他却颠覆传统写实主义，对政治和社会题材采取怠倦及消极态度。
毕业之后，王光乐与一众同校毕业生创立N12艺术团体，致力探索学院体系以外的所有创作可能性。 N12的其他成员包括仇晓飞、胡晓媛、梁远苇、郝强、申亮、王颉、宋琨、徐华翎、马延红、杨静、温凌、景禹潮，每一位都有各自的风格，展现中国年轻一代艺术家在油画、设计、版画等不同领域探索的成果，是当代中国艺坛不可或缺的一份子。
时间是王光乐创作的的核心主题。这位艺术家曾言：「时间是一个概念。当我们看计时器时，它确实提示一个时间，说明时间是人特有的一个意识。那么在绘画中，我如何去体现它呢？通过重复。」
王光乐
N12艺术团体合照，上排右一为王光乐。 （图片来自中央美术学院美术馆网站）
河原温透过严谨的纪律，坚持每天完成日期绘画，带出时间概念。王光乐则透过无意识地重复绘画，不断涂抹，让颜料在画布上层层叠加，呈现时间流逝。整个过程不牵涉情感，只留下绘画动作的劳动性质。如此循环往复的绘画，不仅将抽象的时间「物化」呈现于画面，也为绘画本身赋予了新的语言。
这种无意识绘画，缘起于2004年。当年王光乐创作名曰《一升立邦漆》的作品。他忆述：「当时我在建材市场买了一罐立邦漆，然后就在画布上一层一层地涂，一层比一层缩进，层叠成金字塔结构，我做的时候我不知道自己在干嘛。」
王光乐形容：「我在画画，我又不是在画画那个状态，我是只凭着无意识那么做......过了很长时间以后，我才意识到，其实我是在用画画在问自己：你这么做有什么意义？答案并没有，却让我意识到「无意义」这个终极问题。这个东西涉及到的孤独，存在，时间，死亡等，就都在里头了。这件作品也就发展出后来的「无题」系列。 」
王光乐《一升立邦漆-1》｜2004年｜尺幅：60 x 50 cm
「无题」系列始于2007年，今回邦瀚斯带来的《160116》正属其中之一。如同此前的「寿漆」及「水磨石」系列，「无题」系列每一件作品都以完成时间命名。
此作以大尺幅的明亮黄色为主调，艺术家提前设置好构图，以画面的中央矩形为聚集点，从画布边缘向内，重复、规律地涂抹多层颜料，使画面由边缘模糊的白色，逐渐向画面中央明亮的黄色靠近收拢，层层叠叠、连绵不绝，最终聚焦于画面中心。
画面形成矩阵状的光晕，构筑出三维立体的空间感，形成了一个如梦似幻、深邃无垠的冥想空间。
此般创作方式，与2004年诞生的「寿漆」系列一脉相承，灵感源自王光乐家乡，福建北部松溪的传统丧礼习俗。根据当地传统，每位长者会于60岁时开始为自己准备棺材，并每年为棺木上一层漆以防止木材腐坏。
逐层涂抹的油漆有如生命的无限叠加，可见王光乐作品盛载的除了时间流逝，还有生死概念。
今回举槌的《160116》以明亮黄色为主调
《160116》完成后，同年于伦敦佩斯画廊展出。该次展览乃王光乐首次欧洲个展，重要性不言而喻。
王光乐的作品目前已获多个重要公共收藏机构收藏，如香港M+视觉文化博物馆、上海龙美术馆、迈阿密鲁贝美术馆、东京当代美术馆等。放眼拍场，王光乐作品去年在北京拍场创下拍卖新高，《水磨石2004.10-11》以RMB 690万成交，写下纪录。
朱铭（1938-2023）《太极系列－金鸡独立》木雕
创作时间：1991年
尺寸：54 x 36 x 40 cm
注：此作品附财团法人朱铭文教基金会开立之作品保证书
估价：HK$1,200,000 － 2,000,000
河原温与王光乐的作品，都重视创作背后的概念，多于作品本身。朱铭的《太极系列》雕塑则从另一进路，以太极拳具体的人体动态为基础，再把之解构并抽象化地演绎。透过形神兼备的雕塑，把东方哲思与西方抽象表达完美融合，呈现太极拳背后「以静制动、刚柔并济」的精神。
朱铭是首屈一指的华人雕塑家，以「太极」和「人间」系列享誉艺坛。他本名朱川泰，1938年生于台湾苗栗，十五岁时师从雕刻师傅李金川，学习传统庙宇的雕刻与绘画，后拜入雕塑大师杨英风门下。
杨英风重精神、重灵性的创作理念，深深影响朱铭。他教导朱铭「丢」的减法道理，抛开手上已臻精湛熟练的技法，化繁为简，摆脱写实的形式束缚，于保留神韵的层面下功夫。
朱铭
在朱铭眼中，「太极系列」代表着自己的艺术风格，其中可分为两类：一、展现个体的技巧与姿态；二、讲求两股力量之间的对立关系，也就是双人对打。
此系列的起源相当有趣。话说当年朱铭身体瘦弱，杨英风建议他修习太极拳养身。练太极拳原本只为强身健体，然而朱铭却成功抽取这种传统武术的精粹，让之在美术世界大放异彩。
「太极」源起易经阴阳，主张以静制动，以柔克刚，避实就虚，借力发力。朱铭深化其中精神体悟，将深奥的武术语汇，化作厚重的体量和简约的形态。
初期的「太极系列」作品，造型从太极招式简化而来，但慢慢地，朱铭手下的刀斧不随「形」走，开始随「意」流。不单是雕刻某个太极招式，而是呈现招式动作之间的演变。太极的创作在朱铭的体悟下，从有形到无形，兼备形似与神似。
对朱铭而言，雕塑创作不止于视觉形象的再现，而是生命与自然之气的承载，是「天人合一」的实践。于是太极系列中的每件作品，不仅展现出动作的瞬间，更传达出一种潜藏于体内、欲动未动的气势与精神。
今回邦瀚斯带来的《太极系列－金鸡独立》创于1991年，以木雕为媒材。雕塑一足独立于地，一足弯曲提起，双臂向前后舒展，如雄鸡抖翎，蓄势待发。整体造型简练而稳健，粗犷刀痕勾勒出肌理与动势的层次变化，使观者仿佛感受到蓄势待发的劲力。
在创作过程中，朱铭不断摒弃繁琐细节，追求「心手合一」的境界。他以简驭繁，藉由精准的造型与材质的肌理效果，将太极「匀、慢、柔、圆」的动律转化为雕塑的「重、简、静、张」。
《太极系列－金鸡独立》的姿态在光线照射下产生强烈阴影对比，加强了动与静之间的视觉张力和节奏感。事实上，朱铭强调多角度的观赏体验，让雕塑善用光影与空间互动。因此，朱铭的雕塑在大自然与都市环境，展现出不同的面貌与层次。
朱铭《太极系列 - 右蹬脚》｜香港中环交易广场
朱铭《太极系列》｜台湾 朱铭美术馆收藏
朱铭作品的拍卖纪录由「太极系列」雕塑保持。铜雕作品《单鞭下势》2010年在台北拍场，以NT$8,224万（HK$2,103万）易手，写下纪录。
令人宛惜的是，2023年这位雕塑家在台湾家中自缢，以85岁之龄撒手人寰。朱铭晚年罹患慢性疾病，有指或许是久病厌世而寻短。逝者已矣，由他巧手创造的艺术作品，将长留在生者的生活与心海之中。
Ewa Juszkiewicz《无题（致敬约瑟夫‧怀特）》油彩 画布
创作时间：2020年
尺寸：160 x 125 cm
估价：HK$4,700,000 - 5,800,000
Ewa Juszkiewicz是今次介绍的四位艺术家当中，唯一的西方代表。1984年生于波兰的Ewa，从「有形」的古典女性肖像画入手，透过女性视角重新演释，冲击西方传统美学。
欧洲古典艺术一直由男性视角主导，以女性肖像画为例，画中女性都显得端庄、温顺、内敛，是传统以来男性理想中的女性，而非她们的真实形象。
正因如此，Ewa的作品都以古典女性肖像画为基础，在继承古典主义技法的同时，巧妙地颠覆传统美学的核心内涵。
Ewa Juszkiewicz
Ewa最具代表性的艺术手法，是以扭曲的发辫、皱褶的布料，乃至植物等不同「道具」，将画中女性的脸部遮盖。原画中的华丽服饰，女士优雅的姿态，乃至奢华的背景，通通得以保留。
这看似简单的改变，实则蕴含着深刻的美学革命。看传统肖像画，脸部是身分认同的核心，是情感表达的窗口，更是观者凝视的焦点。透过遮蔽脸部，Ewa不仅隐去了人物的个体身份，并从根本上挑战肖像画的传统定义。
这一视觉上的「缺席」，更能够引导观者对于被遮蔽的脸孔产生无限想像。画中女性不再是被动的被观看者，反而拥有某种不可穿透的神秘感。
Joseph Wright《女子肖像》｜1770年｜纽约大都会艺术博物馆藏
Ewa Juszkiewicz与本作合影
今回举槌的《无题（致敬约瑟夫·怀特）》，以18世纪英国画家Joseph Wright的1770年作品《女性肖像》为基础重新演绎。
Joseph Wright是英国艺术史上，从启蒙运动过渡至浪漫主义时期的重要人物，同时经历了工业革命。他笔下的《女性肖像》，画中编织女工脸带微笑，脸颊微红，呈现出男性视角下劳动女性的理想化形象。
Ewa重新演绎的版本，保留了原作构图与细节，人物脸部则用层叠的布料取代，同时将裙摆修饰成水波纹般的丝绸，让脸部布料与裙摆呈现出高度一致的质感。
Ewa目前由高古轩及Almine Rech两间画廊代理，她的作品于2021年首次现身香港拍场，即以高于估价近3倍的价钱售出。如今这位女将的拍卖纪录已达US$156万（约HK$1,210万），在纽约拍场创下。
拍卖详情
拍卖行：香港邦瀚斯
专场：现代与当代艺术
拍卖及预展地点：香港皇后大道东 50 号太古广场六座，预展11楼、拍卖10楼
拍卖日期：
2025/11/27｜5pm
预展日期：
2025/11/20 - 26｜10am-6pm
2025/11/27｜10am-5pm