艺术的轨迹总在承传与重塑中不断向前，一如佳士得深耕亚洲四十载的步履；伴随春季拍卖即将举槌，二十及二十一世纪艺术板块特别带来多件瞩目巨作。
若把现当代艺术史看作一场接力，那麽印象派无疑是那声鸣枪。艺术家不再局限於对写实的追求，转而向内探索。从捕捉转瞬即逝的天光水影，到以粗砺的笔触凿刻孤寂，迈入纯粹的抽象宇宙，乃至东方游子将水墨的留白与诗意揉进画布，一再把审美的界线推往新境界。
这次我们精选的十馀幅作品，包括莫奈对光影的极致捕捉丶梵高抒发强烈情感的笔触丶赵无极中西合璧的磅礴气象丶李希特以刮板抹出的前卫宣言丶草间弥生的南瓜与波点意象，克莉丝汀·嫒珠（Christine Ay Tjoe）充满哲思的纯净白地等等，让我们尽览跨越世纪的艺术变迁。
香港二十及二十一世纪拍卖将於3月27日至28日举槌，现在让我们一同走进这卷从描绘光影到刻画灵魂的画布之中。
莫奈（Claude Monet，1840-1926）《玫瑰丛中的房子》油彩 画布
创作时间：1925-26年
尺幅：62.2 x 81.6 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$16,000,000 - 26,000,000
纵观艺术史，莫奈之名可说与「光影捕捉」画上等号。当十九世纪的巴黎沙龙仍深陷於宏大的历史画题，艺坛拘泥於学院派陈规之际，他毅然打破传统，掀起一场色彩革命，为现代绘画开启全新篇章。适逢这位巨匠逝世100周年，佳士得为大家带来「印象派之父」绿意盎然之作。
莫奈临终前虽饱受眼疾折磨，创作热情却丝毫未减。1922-1926年间，他正埋首绘画《睡莲》系列。夏日午後，画室变得闷热难耐，他便将画架移至花园，转为描绘置身繁花之中的宅邸，《玫瑰丛中的房子》由此诞生。
莫奈故居位於法国北部吉维尼（Giverny），游客踏进花园，宛若置身油画世界。莫奈倾注半生心血，以大地为画布，以花卉为颜料，精心打造出这座繁茂花园。他於池塘架设日式拱桥，两岸垂柳摇曳，池心则绽放着日後名垂千古的睡莲。他在这片天地度过悲喜晨昏，并以此为灵感绘出无数巨作。
莫奈与吉维尼花园︱© Ross King / Mad Enchantment
画作局部
为确保真实色彩得以绽放於画布上，莫奈对花园细节有着严苛要求。园丁需划着小船进入池中，拔除苔藓丶藻类与水草，保持水质清澈，并为睡莲摘去枯黄的叶片；若植物沾染灰尘，便要用泉水逐一冲洗枝叶与花瓣。
与早期的细腻描绘不同，莫奈晚期笔触显得厚重粗犷，颜料彷佛於画布肆意流动，玫瑰与枝蔓皆化作一簇簇跃动色块及浓郁油彩。此外，画作构图格外大胆，空间纵深被刻意压平，模糊了花卉丶藤架与屋舍间的界线。
《玫瑰丛中的房子》最初由莫奈次子米歇尔（Michel Monet）继承，随後流传至瑞士贝耶勒画廊（Galerie Beyeler），并於1998年首度亮相伦敦拍场。
连同本作在内，以同样视角描绘屋舍的画作共有4幅，展现了花园在不同时段的光影变化，其中一幅即由阿姆斯特丹市立博物馆收藏。
莫奈同系列另一画作︱阿姆斯特丹市立博物馆
梵高（Vincent van Gogh，1853-1890）《林中少女》油彩 画布 裱於加固木板
创作时间：1883年8月
尺幅：34.7 x 47.3 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$10,000,000 - 20,000,000
彼时尚未名震天下的梵高，日後以独特而奔放的笔触开创後印象派先河。绘画此作时，他虽未曾接触印象派，但在巴比松画派影响下坚持於户外写生。这份拥抱大自然的追求，恰与莫奈的创作理念遥相呼应。他们双双推开了学院派封闭的画室大门，将画架架设於真实的泥土之上。
1883年夏末，海牙近郊树林里，小女孩独自伫立落叶之间。《林中少女》乃梵高早期重要作品，画布上未见鲜艳用色，反而弥漫沉静丶朴实的泥土气息。梵高海牙时期画作多已散佚，存世数量稀少，有10幅已纳入机构收藏。
印象派着重纪录风景里瞬息万变的光影，相较之下，梵高常将个人情感倾注於画作中，赋予画面更为浓烈丶主观的色彩。
《林中少女》以俯瞰视角描绘头戴白帽的小女孩，她微微低头，站於巨大树干前，幼小身躯与粗壮树木形成强烈对比。蜿蜒小径向林深之处延伸，在空旷静谧的树林中，她似乎在沉思什麽，全然没有孩童的活泼，显得孤单寂寞。画面色调灰黄，地上满布落叶，更添深秋寂寥之感。
画作局部
创作《林中少女》时，梵高正处于其艺术生涯的关键转折点。1881年，他与父亲激烈争吵後毅然离家，在表哥 Anton Mauve 的接济下，於海牙城郊一处画室安顿下来。
梵高当时经济拮据，无法雇用专业模特儿，只能在日常生活中寻找题材。他以寻常百姓如拾柴者丶伐木工丶农民等为题材，描绘底层人民於生活苦苦挣扎的画面。
梵高需靠弟弟寄来的资金，才勉强买得起油画颜料。为了节省开支，他刻意把用色局限於赭石丶钴蓝丶土黄等数种色彩。这样的灰暗色调与质朴题材相结合，构筑出梵高早期画作风格。
梵高《烧杂草的农夫》，创作於海牙时期︱梵高博物馆
夏加尔（Marc Chagall，1887-1985）《田园牧歌》油彩 画布
从印象派丶後印象派到表现主义，西方绘画将目光由外在真实世界，移向内在情感。二十世纪初，巴黎作为世界艺术中心，如磁石般吸引着各路青年才俊。他们之中，既有在地深耕的法国画家，亦有大批背井离乡的异国游子，各自钻研风格和技巧，可谓百花齐放。
後世将这群艺术家统称为「巴黎画派」，夏加尔便是当中的代表人物，但他不囿於任何单一流派，将个人情感与犹太文化结合，又融合各派前卫美学，成为独一无二的诗人画家。
经历俄国革命与两次世界大战的流亡岁月後，这位犹太艺术家定居普罗旺斯（Saint-Paul de Vence），并在此安度馀生。地中海缱绻而明媚的阳光，彻底驱散了过往岁月的阴霾，画作色彩愈发明亮。
1975-76年间，夏加尔绘制出《田园牧歌》，在年近九旬之际回望一生，不再拘泥於现实逻辑，任由记忆碎片飘浮交织。他把颜料层层堆叠，保留底层的淡米色，使人和动物隐约透出光晕，营造如梦境般朦胧轻盈的氛围。
普罗旺斯的蔚蓝海岸︱© Malcangi Valentina
夏加尔与第二任妻子Vava︱© Alexander Liberman
自立体主义时期起，夏加尔便反覆描绘小提琴手形象。在故乡俄罗斯，小提琴是犹太节庆和婚礼中不可或缺的乐器，夏加尔本人也懂得如何演奏。《田园牧歌》中，他彷佛化身画面中央的绿面小提琴手，温柔地诉说思乡之情。小提琴家身旁倚卧着他的爱人，此形象或许源自他的第二任妻子Vava。她姿态放松丶神情安定，代表夏加尔历尽沧桑後收获的爱与宁静。
公鸡不仅是俄罗斯农村常见的家禽，同时也代表法国，被视为鲜红旭日的象徵，把夏加尔对两地的情感结合在一起。而那呈回眸之姿的翠绿马匹，则恰好呼应他於晚年重温记忆的心理状态。
右上的生命之树开满繁花，旁边悬挂一轮满月。夏加尔打破自然规律，让热烈旭日与柔和明月同辉，白昼黑夜得以并存。月光与树影下，普罗旺斯小镇的轮廓正隐约浮现。
夏加尔以画笔谱写离散诗篇，透过斑斓色彩与超现实意象，建构出超越尘世藩篱丶如梦似幻的诗意世界。
画作局部
常玉（1895-1966）《毯上的曲腿马》油彩 纤维板
创作时间：1950-60年代
款识：玉 SANYU（右下）
尺幅：整体 53.5 x 78 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$28,000,000 - 48,000,000
常玉与夏加尔同属巴黎画派，有「东方马蒂斯」之赞誉，以绘画裸女丶盆花与动物闻名於世。画作中央，走兽或成双成对，或形单只影，悠然漫步於辽阔原野之间。在广袤深远的背景衬托下，生灵更显渺小孤寂，世人将此视为画家内心世界的投射。
与同时代负笈海外的同侪不同，初抵巴黎的常玉，是一位不折不扣的翩翩公子。他没有踏入规矩森严的传统美术学院，而是选择了风气自由的「大茅屋画院」。
彼时的他不受教条拘束，笔触极尽随性与不羁。惜後来家道中落，昔日的富家少爷顿时陷入贫困。这场命运的剧变，彻底剥离了他早年画布上的风花雪月。
常玉旷世孤本《毯上的曲腿马》首度亮相拍场，为世人揭开他跌宕一生的缩影。
常玉《马》︱中国美术馆
马匹鞠躬行礼的姿势︱© Streetartuk2024.25
马匹曲腿鞠躬之姿源自西方马戏，行礼姿势通常出现在开头或尾声，向观众打招呼或致谢。《毯上的曲腿马》中，白马独自向观者致敬，彷似常玉在巴黎艺术舞台上所作之动人谢幕，抒发了他经历跌宕一生，孤身闯荡异乡的落寞之情。
马匹於常玉而言，不止是创作题材，更承载了乡愁与亲情。常玉生於四川，逢年过节便会观赏马戏，父亲又擅长画马，骏马身姿早已深深烙印在脑海。及至远渡重洋，爱妻 Marcelle 名字开首「Ma」正好与「马」读音相似，令这份牵绊跨越时空国界。
常玉幼承家学，并师从赵熙研习书法，後来远赴巴黎留学定居，笔下作品遂糅合中西美学。他以简练线条勾勒曲腿马轮廓，将中国水墨画的写意留白发挥得淋漓尽致。画面布局则受野兽派宗师马蒂斯（Henri Matisse）启发，舍弃传统透视纵深，改以平面色块铺陈背景。
马蒂斯《红色的画室》︱纽约现代艺术博物馆
符号选取和用色亦极具东方文化意蕴。地毯满布中国传统纹样 - 铜钱纹丶寿字纹丶盘长纹，寄托财源广进丶福泽延绵丶长寿无疆等祥瑞祝愿。此外，暗红与明黄两色碰撞，不禁让人联想起古代宫廷那尊贵无比的红墙黄瓦。
常玉以马戏为题之作极为罕见，毕生仅存9幅，当中一幅获台北历史博物馆典藏。常玉绘画马匹，多以大自然为背景，若论如本作般将骏马置於纹饰地毯之上，除《毯上的曲腿马》外仅有一幅，另一幅至今下落不明，本作珍稀程度不言而喻。
此作由勒维（Lévy）家族购自常玉，秘藏至今方首现拍场。双方交情深厚，勒维家族在常玉晚年始终悉心照拂，为他倾力操办生前最後一场个展。
常玉笔下动物深受藏家所喜。2020年，尺幅与本作相当丶但构图为直幅的《八尾金鱼》在佳士得香港举槌，以HK$1.7亿刷新常玉动物主题画作成交纪录。
画作局部
赵无极（1920-2013）《圣堂之旅-07.08.51-08.09.51》油彩 画布
创作时间：1951年
款识：无极 ZAO（右下）
尺幅：97 x 130 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$28,000,000 - 38,000,000
致敬的白马落下帷幕，第二批留法的东方游子翩然降临，随即开启新篇章。1948年春，年轻的赵无极带着对塞尚与马蒂斯的狂热憧憬，历经月馀的海上颠簸抵达法国，成为日後巴黎艺术界中的名人。
二十世纪中叶，西方抽象绘画风潮正盛。赵无极欲摆脱传统水墨画桎梏，在这片自由土壤开拓新的创作语言。《圣堂之旅》作於赵无极艺术生涯的重要转捩点 - 「克利时期」，彼时他的创作形式突破写实的皮囊，剥离具象风景，并在中西美学交融中初作探索与突破。
1951-52年间，赵无极跨越西班牙丶义大利与瑞士等地，正式开启欧洲壮游之旅。游历古城期间，他受欧洲宏伟建筑启发，进而重构画作的空间布置。此外，这趟旅程亦带领他走进保罗·克利（Paul Klee）的超现实世界。克利常於极小尺幅的画作中，利用空间与符号打造出辽阔宇宙之感。
赵无极由此领悟到，简练线条同样能勾勒事物神韵，构图亦不必拘泥於焦点透视。他尝试将画面压平，利用色彩浓淡与线条疏密营造层次，这种手法与中国水墨画的散点透视不谋而合。
克利像是一座桥梁，让赵无极在西画语境中，重投东方美学之怀抱。
赵无极（後排，左）与同代的艺术家友人合照，摄於约1950年︱© Ministère de la Culture - Médiathèque du patrimoine et de la photographie, Dist.GrandPalaisRmn / Denise Colomb
克利《Tree Culture》︱纽约古根汉美术馆
《圣堂之旅》借鉴传统山水画的三段式构图，将空间由近及远层层推进。赵无极巧妙利用笔杆末端，在颜料上刮刻出似断还连的丝线，把建筑化为简约线条丶符号。观者视线随纤细墨线，从前景的沿岸人物，缓缓移至中景的庄严圣堂，最终投向远景的一钩眉月。
画面前方的人提着倒挂鸟类，神态让人想起鸬鹚捕鱼之景。赵无极将东方渔村逸趣，置入画作的静谧氛围，在丰富画面细节之馀，更添一份跨越文化的意趣。
相较「克利时期」以前的缤纷绚丽，本作用色极为克制，仅以铜绿与金铜铺陈画布。赵无极曾创作石版版画，并意外发现即使并非水墨，若在颜料中加入大量水分，同样能制造晕染效果。於是便在《圣堂之旅》中运用泼染技法，使色层如墨迹般自然化散，辅以大气磅礴的皴擦，描绘暮色降至，夜幕渗入夕阳馀晖的景致。
赵无极「克利时期」存世之作约225幅，惟尺幅能媲美本作的仅13幅，其中两幅更由巴黎庞比度中心珍藏。
画作局部
赵无极（1920-2013）《18.03.63》油彩 画布
创作时间：1963年
款识：无极 ZAO（右中）；ZAO Wou-Ki 18.3.63.（画背）
尺幅：60 x 81 cm
专场：二十世纪日间拍卖
估价：HK$11,000,000 - 18,000,000
经历「克利时期」後，赵无极试图打破既有框架，创造自己的专属符号。当他凝视克利之作时，脑中浮现了商周时期的甲骨文，遂将这些远古祭祀符纹化为己用。「甲骨文时期」的画作，具象轮廓基本已消隐无踪，用色亦转为深邃凝练的古铜与暗红。
然而，古文字终究仍是「有形」的。1957年，赵无极前往纽约，饱览抽象表现主义巨作後大受震撼。此後，赵无极迎来「狂草时期」，创作时肆意挥毫，笔势自由奔放，极具爆发力，昔日字符自此彻底消融在画布上。
赵无极《银河-09.11.1956》，创作於「甲骨文时期」︱2019年，上海佳士得，RMB 5,640万成交
《18.03.63》便诞生於这个气势磅礴的黄金时期。赵无极运用厚涂丶刮拭技法，与当代大师李希特对话。
此作依然继承山水画之底蕴。大地色调沉稳深邃，赋予画作重量；大片白色色块横卧中央，仿似烟云缭绕，有开天辟地的壮阔气势。两种色调对比强烈，营造一前一後的空间布局。
《18.03.63》不只是一幅抽象画，更是展现东方意境的精神图像。赵无极将中西美学融炼在一起，绘写自然生生不息的「气」与「韵」，让山水画的深远馀韵，无限延伸至画布以外。
画作局部
朱德群（1920-2014）《蓝色冷空》油彩 画布
创作时间：2004年
尺幅：195.2 x 390.3 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$26,000,000 - 36,000,000
当年共赴巴黎的留法三剑客，皆以西方油彩为刃，试图剖出东方水墨的魂魄。同源而异境，赵无极的笔势是苍茫磅礴的宇宙，朱德群的画布，却挽着一抹中国山水的诗意。
绘於2004年的《蓝色冷空》是一幅长达近四米的大尺幅三联作，印证了艺术家晚年愈发宏大的绘画气度。朱德群对蓝色情有独锺，曾言蓝色调是大自然中最有气魄的色彩，有着含蓄诗意与亲和力。
此作正是采用宝蓝色为主调，白色光线跃动於画面，构成一条滚滚流淌的巨大河流，在两岸之间奔腾，喧闹丶沸腾丶难以抑歇，水光荡漾，附近闪耀着萤火般的光晕，如星辰映现，随着线条的奔驰与大气的流动，让观者沈溺到画中寰宇。
朱德群曾习音乐及中国书法
色彩和线条从不是偶然，而是深思熟虑下的布局，从康丁斯基到马蒂斯，皆企图表现色彩的节奏；但朱德群对韵律有着自己的见解，他从书法中找到了运笔的节奏美。笔下抑扬有秩丶顿挫有序的线条，时而像怀素的狂草，时而像米芾的苍茫。
朱德群认为中国的书法与山水画经观摩自然丶内化於胸，再形诸笔迹，本质上即是最高境界的抽象艺术。而书法的元素，正是区隔他与西方抽象画家的一把利刃。他巧妙运用油剂稀释颜料，让油彩呈现出水墨渲染的效果，泼洒随性，构筑出空灵深邃的空间，每一笔皆是书写精神下的产物。
这种创作宛如道家所言自然无为地「吐胸中之逸气」。画面的留白与光影，赋予了如同山水画般未定界的想像空间，不仅体现了画家心灵与自然万象的交融，更揭示了老庄思想中「天人合一」的宇宙观。
朱德群的拍卖纪录中，与本作尺幅相同的三联作《盛世雪》曾於2021年在香港以港币2.29亿元成交。
画作局部
李希特（Gerhard Richter，1932年生）《抽象画》油彩 画布
创作时间：1991年
尺幅：200 x 180 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$78,000,000 - 98,000,000
二十世纪下半叶的艺坛，摄影艺术向传统绘画发起挑战，引起各种主义浪潮，当中，抽象表现主义亦已经发展多年，画布上的各种可能似乎都被试了个遍，究竟如何突围而出？
这是德国艺术巨匠李希特自1976年展开《抽象画》系列时，不断反思的核心命题。回顾早年的「照片绘画」与灰色单色画，李希特致力打破人们对具象於真实的固有认知；而《抽象画》系列则标志着他彻底回归颜料本身的纯粹力量。
李希特放下了传统画笔，拾起巨大的特制橡皮刮板，在未乾的油彩上反覆拖曳丶交叠。每一次的刮擦都无情地抹去部分表层，又唤出底层隐藏的色彩及全新结构。颜料在画布上层层叠加又被刮去，在这看似偶然的不断循环中，淬炼出复杂肌理与强烈的视觉张力。
李希特的艺术创作充满哲思︱© Thomas Struth
李希特《抽象画》︱2026年，伦敦佳士得，£760万成交
此次领衔的《抽象画》绘於1991年，高达两米，画面被大面积丶层次丰富的鲜红色占据。在李希特浩瀚的创作中，以纯粹红色为主调的画布极为罕见。他仅在1991年专注探索这种极具爆发力的色彩，目前已知存世的红色《抽象画》仅27幅，其中3幅为艺术机构的永久馆藏。
1986至1992年，被学界与市场公认为李希特的黄金时代。继欧美多地巡回展出後，1991年伦敦泰特美术馆为之举办的大型回顾展，更将他的国际声望推向高点。这段时期的作品备受藏家追捧，李希特的十大拍卖纪录中，便有九件诞生於此阶段。举如1986年创作的《抽象画》，2015年在伦敦以£3,040万售出，令他一跃成为当时身价最高的在世艺术家。
近期，在欧洲巴黎举办的李希特回顾展备受瞩目，市场反响热烈，伦敦佳士得刚排出同系列的较小尺幅作品，以£760万成交。本作最初购自巴黎着名画廊Galerie Liliane & Michel Durand-Dessert，今回是首度登上拍卖场。
画作局部
巴斯奇亚（Jean-Michel Basquiat，1960-1988）《无题》油画棒 压克力 纸本
创作时间：1981年
尺幅：76.2 x 56.1 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$18,000,000 - 28,000,000
二战过後，全球艺术的权力中心悄然跨越了大西洋，转移至纽约。在这座汇聚了多元文化与资本洪流的摩天丛林里，前卫思潮如雨後春笋般涌现，重新定义当代艺术。
1978年，曼哈顿下东区的破败砖墙上，开始频繁出现一个神秘的涂鸦签名「SAMO」- 这是巴斯奇亚（Jean-Michel Basquiat）与好友共用的化名，意指「same old shit」。这位年轻的非裔艺术家，正以狂野不羁的姿态，从城市边缘的街头闯入了菁英殿堂。
进入八十年代初，巴斯奇亚迎来了命运的转捩点，作品相继入选「The Times Square Show」与「New York/ New Wave」等大型展览，让他在纽约艺坛声名鹊起。1981年，画廊主Annina Nosei慧眼识珠，为他提供了专属工作室。自此，巴斯奇亚告别街头的风餐露宿，从地下次文化圈一跃成为纽约画廊竞相追捧的耀眼新星。
巴斯奇亚 《金牙的罪》︱2021年，佳士得纽约，US$4,000万成交︱图中可见巴斯奇亚的面部描绘手法以及符号文字
巴斯奇亚与Andy Warhol皆都是当代艺术的重要人物︱© Ben Buchanan
这幅《无题》，正是诞生於这极具意义的1981年。画中用油棒勾勒马匹轮廓，并以红丶黑丶橙丶啡色等急促线条填满马匹躯体；点缀其间的红黑斑点与短促的毛发笔触，生猛而粗犷，展现了那股最纯粹丶毫无修饰的创作能量。马匹表情也出现了巴斯奇亚经典的面部描绘手法：炯炯有神的双眼丶整排外露的牙齿，以及一抹隐约的诡谲笑容。
巴斯奇亚宛如一位流浪诗人，展现出广阔无垠的文化想像力。他由卡通片丶嘻哈音乐丶垮掉派诗歌丶非洲部落艺术等作品中汲取灵感。他的作品中不断出现护身符般的文字丶符号与语句，此幅也不例外。
在那段璀璨的纽约岁月里，他与波普艺术大师Andy Warhol结下了深厚的友谊。二人不仅成为惺惺相惜的密友，更携手创作出多幅佳作。
画作局部
创作时间：1993年
尺幅：91 x 116.8 cm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$32,000,000 - 40,000,000
正如八十年代横空出世的巴斯奇亚一样，同样曾是Andy Warhol好友的草间弥生最初也徘徊於艺术都会边缘。
早於1957年，她便不顾家人反对，只身横越太平洋来到美国。然而，迎接她的并非鲜花与掌声，而是饥寒交迫的残酷现实；在最艰难的岁月里，她在街头捡拾废弃的菜叶果腹。尽管生活困顿，草间却凭藉极具视觉冲击力的「无限网」强势突围，震撼西方艺坛。
在那段风起云涌的岁月里，她不断打破框架，从首创「软雕塑」到发表「镜之屋」装置，超前的艺术观念让波普大师Andy Warhol也为之侧目与借鉴。这两位前卫先锋在纽约的舞台上分庭抗礼丶亦敌亦友。
草间在纽约开始创作无限之网系列︱Courtesy of Ota Fine Arts, Tokyo / © Yayoi Kusama, Yayoi Kusama Studio Inc.
伴随着亲友的相继离世，草间弥生於1973年重返日本，从喧嚣退居斗室，寻求内心的平静。在这段沈淀时期，她重新拥抱了童年最温暖的意象 - 南瓜。草间自幼饱受家庭创伤与幻觉困扰，对她而言，南瓜不仅是田野间的植物，更是赋予她安定感丶助她抵抗精神折磨的护卫。
早於十七丶八岁时，她便曾描绘南瓜参展；而自重返故土後，她进一步将南瓜与其标志性的波点丶无限网交织结合。这幅於1993年创作的《南瓜》正是一例，集结了三大经典元素。画面中心，是一颗饱满的黄色南瓜，表面布满了大小波点。而衬托着南瓜的背景，正是她在纽约时期开创的「无限网」。
这些绵延不绝丶细密交织的网纹，不仅是她早期前卫精神的延续，更象徵着她毕生追寻的哲学命题——在无始无终的网眼与斑点中，「消融自我，他者和宇宙的一切」。
草间弥生《南瓜(LPASG) 》︱2021年，佳士得香港，HK$6,254万成交
1993年，亦是草间弥生艺术生涯中极具意义的分水岭。这年，她代表日本参加第45届威尼斯双年展，从被拒之门外到获邀参与，不仅一洗昔日国内的丑闻污名，也奠定了在全球当代艺术史上的女王地位。
这颗在无尽网纹中兀自绽放的南瓜，承载了她藉由创作救赎自身的平静与力量。
2021年佳士得香港拍场上，一幅尺幅相当丶同样融合了这两大经典元素的《南瓜（Lpasg）》以HK$6,254万易手，一度刷新草间的全球拍卖纪录。
画作局部
克丽丝汀·嫒珠（Christine Ay Tjoe，1973年生）《为了看白色的土地》油彩 画布
创作时间：2012年
尺幅：149.8 x 124.9 cm
专场：二十一世纪日间拍卖
估价：HK$8,000,000 - 12,000,000
紧随着草间弥生的步伐，克丽丝汀·嫒珠（Christine Ay Tjoe）同样向我们展现了一片追寻内心平静的抽象风景。凭藉早年深厚的乾刻版画底蕴，她将刀尖划破金属的技法，发展成画布上狂飙的线条，极具辨识度。
这位印尼当代艺术先锋的创作从来不只是视觉上的游戏。自小深受天主教信仰的薰陶，她常将人类灵魂深处的挣扎丶欲望与情感，化作充满爆发力的抽象画卷。
「全能者在境内赶散列王的时候，势如飘雪在撒们山。」
《旧约圣经·诗篇》第68章14节中，记载了一幅充满神性与救赎的宏大画面。「撒们」（Zalmon）在希伯来语中指「暗黑之山」，当纯洁无瑕的白雪降临於幽暗的山峰，象徵着神圣的力量驱散了世间的混乱与黑暗，带来绝对的纯净与和平。
这份从无尽纷扰中淬炼出的纯粹，正是本作《为了看白色的土地》中所追寻的特质。
克丽丝汀·嫒珠的创作从来不只是视觉上的游戏︱© Martin Westlake / Tatler Hong Kong
这幅作品以骨瓷色作为背景，一片偌大的白色悬浮在画面的中央，这便是「白地」，犹如降临在暗黑之山上的皑皑白雪，象徵着纯洁与稳定。
而在其四周，突生出许多奇形怪状的明亮色块，向外招引着几抹粉红及赭黄，伴随着几笔招牌的朱红笔触，又巧妙地加入冷调的灰色及灰蓝，中和了纷攘色彩形成的不和谐，令画面色彩平衡。这些喧嚣的颜色与狂躁的线条，隐喻着我们在生命旅程中不断面临的尘世诱惑与内在冲突。
那片纯净的白地明明近在咫尺，却被周遭具冲击力的彩色线条阻隔，只能在彼岸静静悬浮。透过这幅充满诗意与哲思的作品，引领观者重新叩问自身的生命归途 - 我们真正想抵达的地方，究竟在哪里？
画作局部
Günther Förg（1952-2013）《无题》压克力 画布
创作时间：2006年
尺幅：200.4 x 166 cm
专场：二十一世纪日间拍卖
估价：HK$3,000,000 - 5,000,000
几何的网格，在多数人眼中往往象徵着冰冷与绝对的理性。然而，德国当代艺术家Günther Förg却打破了这层刻板印象，他曾直言不讳地发表过一句着名宣言：「绘画应该是性感的，它应该是充满感官刺激的。」这幅创作於2006年的《无题》，正是这份理念的完美体现。
自九十年代末至两千年代初，Günther Förg逐渐从早期的单色画中抽离，转而展现出对纯粹色彩与形式的强烈兴趣。大约在2005年前後，他的网格图案开始浮现。
站在这幅逾两米高的画布前，能看到极具视觉张力的线条在纯白底色上跃动。松散而不规则的交叉线条，伴随着极具表现力与手势感的明亮色彩。鲜红与深邃的墨黑，温柔的淡粉丶雾蓝与浅灰相互调和。
Günther Förg是战後德国艺坛的重要人物︱© Franziska Messner-Rast
罗斯科《无题》︱2014年，佳士得纽约，约US$554万成交
这些交错的线条隐喻着现代建筑的空间感，它可以是一栋楼丶一扇窗，或是一片都市景色，完美展现了Günther Förg晚期创作在形式与感官上那份自由。
凝视这幅巨作，我们能在这些垂直与水平的交错中，窥见纽曼（Barnett Newman）「拉链绘画」或罗斯科（Mark Rothko）「色域绘画」对Günther Förg的影响，但他却将这份抽象语汇转化得更为感性与自然。
荷兰着名艺术史学家Rudi Fuchs曾点出：「Günther Förg运用几何抽象语汇的自然程度，就如同莫奈描绘他花园池塘里的睡莲一般。」两位大师横跨世纪，无论是盛放的玫瑰丶缱绻的睡莲，还是交错的感官几何，他们同样将信手拈来的媒材，化作承载美学丶绘画风格与艺术视野的绝佳载体。
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专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
估价：HK$7,800,000 - 9,800,000
拍卖详情
拍卖行：佳士得香港
预展日期：2026/3/24 - 27︱10:30am - 5:30pm
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
拍卖日期：2026/3/27︱7pm