一颗圆点，若只出现一次，或许只是随手一画；但当它重复千遍、万遍，布满整个画布，究竟是失控的征兆，还是另一种严谨的秩序？
看似矛盾的命题，贯穿了整个艺术史——从草间弥生无法遏止的幻觉南瓜，到巴斯奇亚叩问人类文明的狂放笔触；从塞尚以形状重构万物的水果静物，到李希特刻意抽离情感、却又暗藏历史伤痕的刮刀抽象。每位艺术家都在感性的洪流与理性的框架之间，寻找属于自己的美学世界。
这种拉锯往往是杰作诞生的关键。石田彻也以外科手术般精准的手法，剖析现代社会暗藏的荒谬与焦虑；赵无极融会东方古老符文与西方油彩气象，在画布上重塑宇宙星河；马赛赛‧何以几何线条赞扬劳动女性；刘野则用冷静几何描绘童话寂寥。
将于9月29日举槌的佳士得香港二十及二十一世纪艺术晚拍，正是这场跨时代、跨文化对话的最佳见证。
草间弥生（1929年生）《A-南瓜（YHP）》压克力 画布
创作时间：2011年
尺幅：130.2 x 162 cm
估价：HK$48,000,000 - 68,000,000
如果有人把同一个圆点画上千遍，是失控，还是另一种秩序？纵观草间弥生的创作轨迹，仿佛始终游走于这两端之间，而《A-南瓜（YHP）》正是这场拉锯战中的无声证词。
硕大的黄色南瓜稳稳占据视野，饱满瓜身向左右伸展，瓜棱起伏，如缓缓推移的波浪。千百圆点铺满瓜身，看似随机散落，实则有着精密的比例逻辑，每一颗的大小都服膺于曲面起伏的规律，令平坦的画布生出鼓胀浑圆的立体错觉。
漆黑底色之上，一笔又一笔黄色短弧彼此衔接，一道尚未完结，下一道已紧随而至。画布仿佛只是截取了浩瀚网海的一隅，真正的边界仍在画外无限延伸。
然而，这片井然有序的圆点与网纹，却是来自草间脑中无法控制的幻觉。
草间弥生于今年八月辞世｜© Yayoi Kusama. Courtesy of Ota Fine Arts, Tokyo/ Singapore; Victoria Miro Gallery, London; David Zwirner, New York
本作局部
童年时，草间久久凝望家中的花纹桌布，惟移开视线后，布面上静止的花朵仿佛忽然有了生命，一路爬上墙壁、越过天花板，不断蔓延，最终连她自己的身体也被卷入其中——皮肤被图案吞没，自我与外界的界线彻底消融，仿如整个人被无尽花纹吸走。
这种幻觉足以令人彻底崩溃，惟草间没有屈服，而是以理智的艺术创作迎击。
五十年代末，草间只身闯荡纽约，把幻象中反复吞噬视野的花纹，转化成一笔一笔细小弧线，千百道笔触串连一起，编织成永无休止的「无限网」，既令她在西方艺坛一举成名，也让她借以自我消融、自我救赎。
草间弥生《南瓜（LPASG）》130.3 x 130.3 cm｜佳士得香港，2021年，HK$62,540,000
南瓜的缘起同样带着神秘色彩。草间儿时在农场瞥见一颗南瓜，走近细看，人头般大的果实竟栩栩如生地向她开口说话。二战匮乏时期，她几乎每天以南瓜果腹，甚至吃至反胃作呕。
然而，这段苦涩记忆并没有令她自此厌弃南瓜：「南瓜为我心带来别具诗意的平和安宁。」自此，这种其貌不扬的农作物，逐渐成为陪伴一生的创作主题，也是她与现实世界和解的重要桥梁。
画布上的理智，也延伸至草间的现实生活。1970年代起，这位「波点女王」自愿入住精神疗养院，纵使幻觉始终未曾真正消散，仍然可以每天执笔创作，寻求内心平静。
草间以理性的艺术创作，驯服了原本失控的感官洪流，令全世界为之共鸣。2021年，《南瓜（LPASG）》在佳士得香港举槌，一度以HK$6,254万刷新草间拍卖纪录；同场拍卖，一样是黄黑调的巨型《南瓜》雕塑以HK$5,545万易手，亦一度打破艺术家的雕塑成交纪录。
石田彻也（1973-2005）《体液》压克力 油彩 画布
创作时间：2004年
尺幅：45.5 x 53 cm
估价：HK$2,400,000 - 3,400,000
草间在极度混乱的精神幻觉中，借着艺术建立视觉秩序之美。石田彻也则以外科手术般的精准手法，剖开冰冷有序的社会表象，描绘出底下难以遏抑的荒谬与焦虑。
本作之中，青年与洗手盆融为一体，头部化成水龙头，神情木然，眼泪却不断流下，流露出无声的哀伤。虽然双手环抱成盆壁，但在他体液中滋养生长的巨虫，却挣扎着想要爬墙而出。
如此画像，令我们想起魔幻写实主义作家卡夫卡的《变形记》，主角一觉醒来变成虫豸，因为无法再工作赚钱，与社会断绝来往，被家人所厌恶唾弃，最后在绝望与伤痛中孤独地死去。
《变形记》于1915年发表，是超过一个世纪前的小说；本作《体液》问世至今二十多年，世界也经历了翻天覆地的改变。然而，两者同样引发我们对「存在」的疑问与反思。
平冢市美术馆于2014年举办展览时展示的石田彻也照片
九十年代，日本泡沫经济爆破，本来繁荣蓬勃的社会陷入萧条崩溃。石田彻也在这段「失落的十年」长大，塑造了他创作中独特而荒诞的超现实风格。
石田笔下男子千人一面，悉数以他本人的脸孔为蓝本，神色空洞呆滞，身体往往与死物或机器化为一体，讽刺人类在体制与企业的压榨下，变成齿轮般的消耗品；场景多半发生在密闭的灰暗空间，营造出难以名状的恐惧感，暗示我们无处可逃的残酷现实。
石田曾经从事广告与商业设计工作，画作结构有条不紊，整齐干净。充满空间秩序的写实风格，用来描绘如此荒谬的人类困境，更添一种阴郁且不寒而栗的震撼力。
这位天才三十余岁就撒手人寰，短短十年创作仅留下不足220幅画作存世，扣除美术馆藏后数目更为稀少。在人工智能冒起的时代，他的作品更令我们感同身受，个人拍卖纪录于两年前在香港刷新，金额首度突破HK$1,000万。
尚·米榭·巴斯奇亚（Jean-Michel Basquiat，1960-1988）《古代科学家》压克力 油画棒 复印及纸本拼贴 画布
创作时间：1984年
尺幅：169 x 156 cm
估价：HK$56,000,000 - 76,000,000
画面扑面而来的，是一种近乎失控的视觉能量——粗犷的线条、原始的笔触、看似随意的涂抹、充满爆发力的色彩。这股狂放不羁的气质并非凭空而来，而是深植于巴斯奇亚的成长轨迹。
七十年代末，少年巴斯奇亚与伙伴以「SAMO」（same old shit的意思）之名，在纽约下城区喷涂充满哲思与讽喻的标语，游走于警察与艺评家之间的灰色地带。这段街头创作的历练，赋予了他日后创作中那种即兴且拒绝修饰的视觉语言。他鲜少草拟底稿，线条、符号、文字往往随着灵感爆发，直接绘画、堆叠、反复涂改而成，犹如即兴演奏的爵士乐章。
这种美学倾向亦来自他从名家身上汲取的种种养分——巴斯奇亚从抽象表现主义巨匠托姆布雷（Cy Twombly）的潦草书写性笔触获得灵感，受到杜布菲（Jean Dubuffet）「素人艺术」不加修饰的精神影响，并为劳森伯格（Robert Rauschenberg）拼贴手法所启迪。
然而，若仅止于表面的狂放，巴斯奇亚不会成为当代艺术史上无法回避的名字。画布之下，其实潜藏着极为缜密的批判思维与庞杂精深的文化参照。同一个议题，学者或许穷尽数万字论文钻研，这位天才则选择以艺术作答。
左：本作局部；右：「维伦多夫的维纳斯」雕塑，维也纳自然历史博物馆
本作局部
《古代科学家》左侧的男人、即画题所指的「科学家」，戴着一副非洲部落面具。巴斯奇亚深谙毕加索如何受到非洲面具与原始艺术影响，把人脸与物体解构为几何平面，促成立体主义的诞生。他向这位大师致意的同时，似乎又发出提问：立体主义震撼艺坛，闻名天下，可是非洲文明本身在艺术史的叙事中，又占据着怎样的位置？
画面右方是夸张放大的女性特征，硕大的乳房和隆起的腹部令人联想到旧石器时代的「维伦多夫的维纳斯」。这件远古雕塑被视为人类美学与象征思维的重要证物，巴斯奇亚在这里把「生育」与「丰饶」的原始崇拜，悄然嵌入画布之中。
人体结构的描绘与夺目的色彩，则可追溯至他的童年。六岁时，巴斯奇亚车祸受伤住院，母亲送给他一本《格雷氏解剖学》。他从书中的精密插图，以及达文西等文艺复兴巨匠对人体的科学描绘获得灵感，并将它们转化到自己的作品之上。
画作下方是中世纪植物学图谱风格的拼贴图像，包括被称为「所多玛苹果」的茄属植物及无花果叶。两者结合上方的男女图像，明显指向亚当与夏娃尝食禁果、即人类堕落之初的故事。苹果这个符号，又把我们的思绪引领至家传户晓的科学家牛顿身上。
巴斯奇亚摄于1984年｜Photo：Brad Branson
巴斯奇亚《未来科学对决人类》，152.5 x 152.5 cm｜伦敦佳士得，2023年，£10,430,000
原罪、原始崇拜、非洲艺术、中世纪植物学、文艺复兴、启蒙时代、立体主义……本作探讨的命题横跨整个西方文明起源、宗教神话、艺术科学。然而，若果我们像画中那位戴上非洲面具的科学家一样，以黑人视角出发，这一切又会是怎样的世界观？怎样的脸孔才配得上站在人类知识史中心？
如果把《古代科学家》与他两年前、即1982年创作的《未来科学对决人类》（Future Sciences Versus the Man）并置解读，更能窥见巴斯奇亚对人类演进的叩问。
1984年是巴斯奇亚艺术生涯的重要转捩点，他在纽约传奇画廊Mary Boone Gallery举办个展，标志着这位街头涂鸦少年摇身成为备受瞩目的艺坛新星。同年的佳士得拍卖会上，他的画作以US$19,000售出，如此金额对当时的年轻黑人艺术家来说无疑惊人。这段时期，巴斯奇亚也与安迪沃荷（Andy Warhol）联手创作，成为纽约艺坛佳话。
这一年的巴斯奇亚作品同样为藏家垂青。例如《灵活》于2018年在纽约举槌，以US$4,531万易主；《星期六的夜晚》去年在佳士得香港上阵，亦以逾HK$1.1亿成交。
安妮塔‧马赛赛‧何（Anita Magsaysay-Ho，1914-2012）《喂鸡的妇女》油彩 画布
创作时间：1979年
尺幅：80.5 x 150 cm
估价：HK$9,000,000 - 12,000,000
相比巴斯奇亚狂放不羁、看似杂乱无序的涂鸦笔触，马赛赛‧何的画布则呈现出截然不同的绘画语言——内敛而纯粹的秩序之美。
画面之中，菲律宾妇女提着竹箩、弯身喂鸡，构图取材自乡野生活的一瞬，却在马赛赛‧何的精密布局下，升华成一场凝止的舞蹈。她以鲜明果断的弧线与斜角勾勒轮廓，把几何形状注入形体与风景当中。修长的颈项、圆润的肩膊与倾斜的腰身彼此呼应，在方正脸庞、椭圆竹篮、长方形篱笆和三角形头巾衬托下，交叠出韵律感极强的视觉节奏。
马赛赛‧何师从菲律宾国宝级画家阿莫索罗（Fernando Amorsolo），早期受到后者浪漫写实画风影响，一度被誉为「女性阿莫索罗」。不过，这位巾帼英雄并没有停留在模仿与追随的阶段，在构图、色彩、技法上追求革新突破，成为菲国艺坛先锋团体「现代主义十三人」的唯一女性成员。
马赛赛‧何拥抱现代主义之初，画中人物棱角分明。及至七十年代，她的画风已见圆熟，线条更为流畅婉转，群像以柔美弧线串连，构图疏密有致，几何形状与动态彼此交融，笔下收放自如。《喂鸡的妇女》正是个中炉火纯青的代表作，把女性劳动的瞬间定格成永恒优雅。
马赛赛‧何为菲律宾「现代主义十三人」的唯一女性成员｜Photo：Rupert Jacinto
马赛赛‧何《拾穗者》，85 x 142.5 cm｜佳士得香港，2016年，HK$13,860,000（艺术家拍卖纪录）
本作展现出理性严谨的构图，内里蕴含的却是艺术家感性灵魂的寄托——对同胞劳动女性的深情赞颂。马赛赛‧何毕生反复描绘田野间、市集里、渔村中辛勤劳作的菲律宾女子，不涉政治，不带悲情，专注于展现她们的坚毅与尊严。
七十年代，马赛赛‧何入籍加拿大。与此同时，因为航运界巨子丈夫何兆丰的业务需要，一家人辗转移居香港、纽约、温哥华、里约热内卢等地，长年漂泊异乡。在每一个陌生的城市里，画布成为她沉淀思绪的一方净土。
伴随着渐浓的乡愁，马赛赛‧何创作逐渐迈进「绿色时期」。从《喂鸡的妇女》可见，画布蒙上一层翠绿柔光，女子肌肤也悄悄披上一抹绿调，仿佛与周围环境融为一体。她们不再仅仅是立于大地之上的个体，而是与大自然有着深切连系的一员。
马赛赛‧何这段时期的作品，触发了许多心灵的共鸣。2016年，同样绘于七十年代、尺幅相当的《拾穗者》在佳士得香港举槌，以HK$1,386万写下她的全球拍卖纪录。
赵无极（1920-2013）《银河 - 09.11.56》油彩 画布
创作时间：1956年
尺幅：162.2 x 114 cm
估价：HK$45,000,000 - 75,000,000
东方远古的甲骨符文，与西方油彩的气象激烈碰撞，一片横跨数千年文明的浩瀚宇宙，就此在赵无极笔下悄然成形。
《银河 - 09.11.56》不仅是他「甲骨文时期」承先启后的关键之作，更是这位巨匠创作命题的缩影——如何在异乡的画布上，寻回血液里从未褪色的文化根源。这幅画是理性与感性的交会，是东方与西方的对话，更是艺术家把天地宇宙浓缩于方寸之间的野心之作。
1948年，赵无极初抵「花都」，深受西方艺术文化冲击。这位年青人探索个人风格的初期，相当崇拜毕加索和马蒂斯；在巴黎的艺术圈子，他与苏拉吉（Pierre Soulages）和乔治马修（Georges Mathieu）等抒情抽象主义人物结为知交。
受保罗克利（Paul Klee）影响，赵无极开始摆脱具象束缚，把景物化作线条符号。此时期画作虽已略见抽象倾向，但风景主题仍依稀可辨——这是他向西方现代主义叩门、学习其艺术语汇的理性阶段。
赵无极（后排右）摄于五十年代巴黎，中排右方为著名画商皮耶勒布，前排左方是乔治马修｜© Ministère de la Culture - Médiathèque du patrimoine et de la photographie
然而，赵无极并未停止向自身文化寻根探源。1954年，他在远古龟甲和青铜礼器中找到了钥匙，把东方哲学化为创作底蕴。
赵无极拆解甲骨文、钟鼎文等古老文字符号，把之重组并融入画布。神秘的字元，时而如铁画银钩般刚劲凛然，时而若游云惊龙般缥缈流转，相互交融，彼此激荡。他推开了一扇融贯中西、名为「甲骨文」的时空之门。
《银河 - 09.11.56》尺幅162 x 114 cm，乃「甲骨文」代表巨作。画面以柔美淡雅的丁香紫、天青、湖蓝与水绿层层叠染，色彩如雾似烟，层次交融渗透，恍若水汽氤氲的仙境奇景。中央那些若隐若现的符号笔触，既是人类文明最初的书写印记，同时又化作宇宙深处的漫天繁星。文字与星辰，文明与自然，浑然一体，再无分野。
「日照香炉生紫烟，遥看瀑布挂前川。飞流直下三千尺，疑是银河落九天。」李白的诗，是把眼前壮阔的瀑布，想像成天上倾泻而下的银河；无极的画，则将九天之外那片遥不可及的银河轻轻带到人间，让我们得以仰望整个宇宙。
本作局部
蓝色于西方，乃神性高贵的象征。文艺复兴时期，颜料以「群青」最为矜罕，自青金石取材，历千年而常新，比黄金更为昂贵。即使是大师画作，也只有最尊贵的形象才配使用。最著名者，莫过于玛利亚身上那抹深邃圣洁的蓝色斗篷。
无极对这种冷色调情有独钟，各时期创作的笔法、结构、风格纵有不同，但都必定可以找到蓝色的代表佳作。其中最令人印象深刻的，当属「狂草」时期蓝调大作《29.09.64.》，2022年在佳士得香港举槌，以HK$2.78亿刷新艺术家单幅画作拍卖纪录。
比对较早的「甲骨文」作品，《银河 - 09.11.56》的符号元素更融入于整片抽象画面，而不再是清晰可辨的独立字符。甲骨文符号的布局，亦与后来「顶天立地」般的中轴式构图颇有相似之处，足见本作已具「狂草」雏形。
「现在，我重新回顾这段历程，觉得它是始终一致的……经历了不同阶段，我充分运用了对中国绘画的知识来表达……我看见一些形象、线条，它们将我诱向从小就学会的符号。」——赵无极
杰哈德·李希特（Gerhard Richter，1932年生）《抽象画》油彩 木板
创作时间：1991年
尺幅：95.3 x 100 cm
估价：HK$38,000,000 - 55,000,000
相比赵无极笔下奔涌不息的东方诗意，李希特画作呈现出截然不同的创作姿态。他刻意抽离情感，以近乎冷酷的理智手法创作《抽象画》，却令站在画板前方的我们产生无穷思考。
这位德国巨匠一生质疑绝对真理，拒绝固定风格，毕生都在创作上颠覆传统，透过绘画探索认知与真实之间的裂缝，被视为艺术界的哲学家。
八十年代起，李希特在抽象领域中发展出独创技法。他先以画笔或笔刷涂抹铺陈色彩，再用刮刀拖曳刮擦画面，带出底层未干颜料，形成难以预测的纹理、断层与色彩融合。
这个过程不断重复，在建立与摧毁之间循环不息。丰富的细节在刮刀压力下逐渐模糊，甚或被抹除，惟同时又有充满动感的全新空间诞生而出。介乎具象与抽象边界的模糊感，与他早期的「照片绘画」一脉相承，令画面时而仿佛失焦的风景，时而又似随机生成的图案。
李希特以刮刀技法创作｜纪录片《Gerhard Richter Painting》预告片截图
「有了笔刷，你就有了对画面的控制。颜料沾在笔刷上，由你来定义画面；凭着习画的经验，你胸有成竹地掌控画面上将会发生什么。但若用上刮刀，你便会失去对画面的控制——不是全部，而是部分。」——李希特
虽然李希特追求客观，努力在创作中保持冷静，但色彩之下其实潜藏着他对图像、记忆、真理本身的深切怀疑。
他一生历经纳粹统治、二次大战、冷战分裂、德国统一。刮刀反复抹涂的过程，就像历史的进程一样——有可以控制的方向，也有无法驾驭的失序，总在兴衰变幻中周而复始。人对历史的记忆，何尝不是如此，既想留住真实，又终究只能面对经过扭曲与筛选的残影。
正因李希特刻意抽离个人情感，作品才得以成为一个对外开放的空间：观众不再只是被动地接收画家情绪，而是能够将自身经验与感受投射其中。
本作局部
《抽象画》以炽热的红色为主调，蓝、绿、白、黄隐约浮现其间，交织出一场激烈的色彩风暴，牵动观者进入其中的感官世界，激发出无限想像。
1986至1992年公认是李希特创作生涯的黄金时期。继欧美多地巡回展览之后，1991年伦敦泰特美术馆的大型回顾展，更令他在艺坛的声望攀至顶峰。
正是在这一年，李希特创作了27幅以红色为主调的抽象画，不是由美术馆珍藏，便是为重要私人藏家雅蓄。2021年，同年创作的另一幅红调《抽象画747-1》在佳士得香港上阵，以HK$1.4亿高价易主。
随着路易威登基金会于去年底至本年初为之举办大型回顾展，市场对这位年届九十三岁的艺术哲人仍然有无尽想像空间。
保罗·塞尚（Paul Cézanne，1839-1906）《蓝盘静物》油彩 画布
创作时间：1879-1880年
尺幅：28 x 22.7 cm
估价：HK$25,000,000 - 35,000,000
现代艺术史上，堪称大师巨匠的或许有数十位，惟公认为「现代艺术之父」的却只有塞尚一人。
静物是西方艺术的经典题材，在塞尚笔下变得无比朴素。四时花卉、华丽器皿、复杂构图、华丽风格、逼真的写实技巧、强烈的光影处理等传统统统消失不见。仅仅凭藉数枚桃梨、半只瓷盘、朴素木桌，这位法国人改变了整个美术史的走向，影响了以毕加索为首的无数后世名家。
一桌寻常静物，在塞尚笔下简化成各类形状。桃梨浑圆，瓷盘椭圆，桌沿与木板一横一斜，撑起构图。画家没有细描果皮纹理，而是让红、黄、绿色在果实表面交替，以色彩本身塑造体积。形状愈简练，物件反而愈见份量。
骤眼看来，水果与器皿似是随意散置，实际上却是彼此呼应，冷暖色块亦形成恰如其分的对照，令画面维持着微妙的平衡。这幅《蓝盘静物》突显出塞尚美学的两个核心观念：一、世上万物皆可还原为几何形状；二、没有线条、没有明暗，只有色彩。
十九世纪初的静物画｜维多利亚国立美术馆
塞尚前无古人的革新，与印象派有着密不可分的关系。
他早年受印象派影响，离开画室走到户外写生。可是比起捕捉瞬息光影变化，塞尚更重视永恒的秩序与内在结构，于是把物象简化成几何。色彩在他手上，不但可以表达体积与重量，更能够营造空间深度。
与此同时，塞尚打破了传统的单一透视法，模仿人类双眼游走移动，在同一幅画作中呈现出不同视角。这种对空间与时间的处理方式，彻底解放了艺术家对画面的想像；对主观性创造的主张，影响了无数流派，使现代艺术走向强调自我表现的道路。
塞尚《桃子、梨子和葡萄》，1879-80年｜圣彼得堡冬宫博物馆
塞尚《苹果与饼干》，1879-80年｜巴黎橘园美术馆
塞尚静物画犹如平地一声雷，改变了近代艺术发展。对比同期作品，《蓝盘静物》更让我们窥见他大胆打破常规的视野。
同期静物画大都是全景式构图，水果完整呈现且四周留有大片环境空间。反观《蓝盘静物》，似是从整个场景中截取一隅，蓝盘和左右水果都有一半隐没于画布以外，桌面以强烈的斜角切入，形成一条从左下延伸至右上的动态对角线，打破了传统静物画的水平稳定感。
独树一帜的布局，令学者一度以为本作是从较大型画面中裁切而成的。直到后来有研究显示，《蓝盘静物》从一开始便是如此构思，乃塞尚有意为之的创作。
《蓝盘静物》最早为Octave Mirbeau雅蓄，此君是法国艺坛极具影响力的评论家，亦是塞尚的重要支持者；六十年代成为Edward Hulton珍藏，这位爵士建立了英国战后最重要的现代艺术收藏之一。本作亦曾经在多个顶尖美术馆亮相，包括巴黎橘园美术馆，以及阿姆斯特丹市立博物馆等等。
刘野（1964年生）《蓝色的海》油彩 画布
创作时间：1998年
尺幅：170 x 200 cm
估价：HK$16,000,000 - 26,000,000
在刘野手中，冷静的几何语言被赋予了当代情感——水平线串成栏杆，色块构成海面与甲板，孤单的小人伫立其中，理性构图里渗出淡淡寂寥。
刘野于1964年在北京出生，父亲从事儿童文学创作，家中收藏安徒生、普希金等童话，启发了他对航海、冒险与未知世界的想像。这些童年记忆，后来化成小水手、天使、军舰与远方旅程，为作品披上一层童话色彩。
童话般的画面背后，刘野对构图与秩序非常讲究。他曾接受工业设计训练，后来入读中央美术学院壁画系，对比例与画面结构打下扎实基础。九十年代负笈欧洲，亲身接触西方现代艺术。维米尔宁静含蓄的光线、保罗克利充满童趣的造型，以至包浩斯讲求几何与秩序的美学，均成为他日后创作的重要养分。
一众艺术家当中，又以蒙德里安（Piet Mondrian）对刘野影响最为深远。
蒙德里安《构成第三号：红、蓝、黄与黑》｜纽约佳士得，2015年，US$50,565,000
本作局部
蒙德里安在塞尚开创的现代艺术之路上更进一步，舍弃所有自然物象，追求纯粹理性的几何与比例，并单纯运用三原色和黑白灰，被誉为几何抽象（冷抽象）的先驱。
「童话故事充满想像力和敏感性，而哲学则要求严格和理性的思考。童话和哲学代表两种极端的思考模式。我的作品游走在两个极端之间。」——刘野
在《蓝色的海》，小水手站在甲板一隅，以望远镜眺望未知方向；远处巨舰横卧海面，四周却寂静无声。这个未有结局的航海故事，承载着刘野童年对冒险的梦想。
画面结构却保持着蒙德里安式的冷抽象结构：甲板、海面、军舰与天空是数道横向色带，栏杆垂直分割；红白救生圈、黄色船板与大片蓝海互相牵引。甲板上更散落一本印有蒙德里安作品的书本，直接点明其对刘野的影响。
1995至2000年间，刘野创作了32件海军题材作品，当中尺幅与本作相若或更大者仅得5例。同样大小的《寂静的海》，如今已纳入香港M+馆藏，足见这系列作品之珍罕。
拍卖详情
拍卖行：佳士得香港
专场：二十及二十一世纪晚间拍卖
预展：2026/9/22 - 29｜10:30am - 5:30pm
日期：2026/9/29｜7pm