很多人都对视觉艺术的印象停留在毕加索（Pablo Picasso）那里：一头雾水、不明所以却又屡屡打破成交价格的画作，或许这正是艺术的神秘之处。不可否认的是，毕加索的光芒太过耀眼，以致同期许多伟大的艺术家都变成了沧海遗珠，难以被我们铭记。今天我们就来讲其中一位连毕加索也深深敬佩的画家，马蒂斯。
诞生于二十世纪今天的亨利・马蒂斯（Henri Matisse，1869年 - 1954年）或许是艺术史上最善于运用色彩的画家，也是野兽派的代表人物。他画作中缤纷鲜艳的用色、夸张地延展的人体，及华丽的背景铺陈，启发了无数现代艺术的创作，比如毕加索早期也是属于野兽派的风格，甚至他后期对非洲艺术的兴趣也是因马蒂斯而起。
马蒂斯与他的画作：
《舞》（The Dance），1910年
《生命的喜悦》（The Joy of Life），1905年 - 1906年
《三姐妹与玫瑰色大理色桌子》（Three Sisters and The Rose Marble Table），1917年
《小麦束》（La gerbe），1953年
塞尚与“野兽”的诞生
二十世纪初期艺坛上百家争鸣，其中最重要的人物当属后印象派（post-Impressionism）的塞尚（Paul Cézanne），他为印象派找到一条出路，开辟了二十世纪各种美术运动的大道。在这波艺术运动中，马蒂斯综合了修拉（Georges-Pierre Seurat）、梵高（Vincent van Gogh）以及塞尚的绘画经验，表现出明亮的色彩以及强烈的造型，开创了新的绘画风格：野兽派（法：Les Fauves／英：Fauvism）。
马蒂斯《奢华、宁静和享受》（Luxe, Calme et Volupté），1904年
修拉《杂耍秀》（Circus Sideshow）, 1888年
野兽派的历史起源需要追溯到1895年12月，在巴黎观看了塞尚的个展之后，马蒂斯深受其色彩运用和表现技法的影响；所以尽管当时马蒂斯的经济不算宽裕，但他还是向当时展出塞尚画作的伏勒尔画廊买了他的几幅作品，其中1899年所购的塞尚《三浴女图》（Three Bathers），是日后影响马蒂斯一生的重要作品，他在1936年转赠这幅画给巴黎小皇宫美术馆（Petit Palais），至今仍收藏着这幅画。
塞尚《三浴女图》（Three Bathers），1879年 - 1882年
而“野兽派”的名字也与印象派一样，源自于一些充满恶意的艺评人。1901年马蒂斯就曾在独立沙龙展中，展出借由纯色来表达绘画概念的画作。而在1905年的秋季沙龙里，以马蒂斯为首，包括德安（André Derain）、乌拉曼克（Maurice de Vlaminck）以及卢奥（Georges Rouault）等艺术家，他们因对强烈色彩有共通的热情，就举办了一场联展。
在这场被誉为“野兽派运动”的画展中，传统艺评家因为看不惯如此激进大胆的用色而惊讶不已，由于当时展厅的中央放了一座接近文艺复兴时期多那太罗风格（Donatello）的传统雕塑作品，其中一位艺评家不禁说出：“多那太罗被一群野兽包围！”的讽刺评语。之后，这些画家就被称之为“野兽派画家”了。马蒂斯在本届秋季沙龙一共展出两幅画作——分别是《戴帽的女人》以及《开着的窗，科利乌尔》，前者是画家妻子的画像；后者将室内、室外的景色巧妙地合而为一。虽然马蒂斯并没有因此得到当时传统学院派画家的认可，但依旧赢得了不少收藏家的注意。
马蒂斯《戴帽的女人》（Woman With A Hat），1905年
马蒂斯《开着的窗，科利乌尔》（Open Window, Collioure），1905年
色彩如野马脱缰
“野兽”一词，特指色彩鲜明、着色随意的画风，以及观众欣赏的观感。这种用色法，显得比传统调色法与混色法更为强烈，马蒂斯和他的朋友们一直试验着这种称之为色彩解放的实验。梵高、修拉、那比派（Les Nabis）和后印象主义都曾以类似方法，对此进行过探索。
梵高《夜间咖啡馆》（The Night Café），1888年
与他们不同的是，野兽派画家仿佛直接使用从颜料管里直接挤出来的色彩，以直率粗犷的笔法创造对比鲜明、颜色抢眼的画面效果，充分显示出他们以情感表达为上的倾向，多于想要刻画自然中的客观物件。画家不仅是想引起观众视网膜的振动，或是强调浪漫或神秘的主题，更重要的是，他们想树立截然不同的、新的绘画准则。在他们看来，绘画应该是纯粹美感经验的表现，其目的不在思想性或喻义，而在于线条、色彩与形态所引起的愉悦与舒适。正如马蒂斯自己所说，他对绘画的要求，只是“像椅子一样”，让人舒服一下，以纾解身体的疲倦感（Art should be something like a good armchair in which to rest from physical fatigue.）。
马蒂斯《马蒂斯夫人肖像》（Portrait of Madame Matisse），1905年
红色的和谐
在马蒂斯的代表作《红色的和谐》（The Dessert: A Harmony in Red）中，他对空间的探索又推前了几步。很多艺评人都说，在这幅画作里，我们已经走进了一个新境界，它比印象主义者所想像的东西更奇特、更神秘。
《红色的和谐》（The Dessert: A Harmony in Red），1908年
在《红色的和谐》中，马谛斯放弃了透视法则，改用特定物件，比如椅子、窗框、绿地、酒瓶的线条与色块建构出空间感，朝简化绘画方向迈出了重要一步。不过他也承袭野兽派的一贯风格，刻意用同样红色的桌布、墙面，以及蔓延四处的藤蔓，让空间的分界又显得模糊。马蒂斯在画作中只用了一块没加调和的红色块，限定了房间内部的空间。
藤蔓植物花纹则均匀地分布在墙面和桌面上，它们增强了红色块对于画面的依附。简化的树和植物则映衬着绿地蓝天，限定了户外的景色。左上角的那座红色建筑物重复了房间的色彩，在某种程度上它也建立起这幅风景画的深度幻觉。
整幅作品中充满了映衬了黄色的水果，棕黄色的椅子、窗框、妇女的头发；蓝色的天空、屋顶；绿色的草坪、树丛；白色的衣领、袖口等。这些不同明度、不同冷暖、不同形状的色块，互相呼应、对比衬托，使人感到温暖、舒适，得到视觉上的满足。
如果说康丁斯基对线条的用法是固执而且精确的，那么马蒂斯或许就是痴迷于鲜艳色彩的组合，正如他自己说过：“我想用色块进行创作，我要像作曲家组合和声那样来组合这些平涂色块。”