随着春意渐浓，亚太艺术市场的季度重头戏 - 保利香港春季拍卖会已蓄势待发。今年4月3至8日，这场备受瞩目的艺术盛典将于香港信德中心启幕。

专家团队精心筹措，从引领美学前卫的「现当代艺术」、翰墨飘香的「中国书画」、沉淀历史底蕴的「中国古董珍玩」、到流光溢彩的「珠宝及钟表」，四大核心板块皆有重磅杰作现身。

现当代艺术凝神于华人抽象大师赵无极之杰作，以西方油彩精妙译出宋代山水间的留白哲思；书画迎来李可染最标志性的主题杰作《五牛图》，与五幅大千佳构齐聚一堂，墨韵流转；古董珍玩之间，以精绝罕见的嵌螺钿婴戏图铜镜尤为瞩目，凭借登峰造极的软螺钿技法，重现元明盛世的繁华声色；珍稀珠宝方面，则以一串天然翡翠珠项链碧意莹润，尽显典雅奢华。

每一件流传至今的艺术珍品，皆承载着深厚的历史底蕴与无可取代的匠心。预展将于本周末（3月14至15日）率先在台北亮相，身处当地的读者切勿错过。

赵无极（1921-2013）《15.07.67》油彩 画布

创作时间：1967年
尺幅：114 x 146 cm
展览：

• 1969年「赵无极回顾展」蒙特利尔当代艺术博物馆，蒙特利尔，加拿大
• 1969年「赵无极回顾展」魁北克美术馆，魁北克，加拿大
• 1969年11月22日-12月27日「赵无极」艺术宫，沙勒罗瓦，比利时

出版：

• 《赵无极》Hier et Demain Editions 巴黎，法国；及 Ediciones Polígrafa 巴塞隆纳，西班牙，1978年（图版，第359图，第293页)
• 《赵无极》Cercle d'Art 巴黎，法国 ；及Ediciones Poligrafa 巴塞隆纳，西班牙，1986年（图版，第391图，第333页)
• 《赵无极作品编年集－第二册 1959-1974》Flammarion 巴黎，法国，2023年（图版，第P-0913图，第175及304页）

估价：HK$10,800,000 - 15,000,000

「我希​​望人们能够走进我的作品之中，就像我在创作时走进它们一样。」 - 赵无极，1967年

创作于1967年7月15日的《15.07.67》，属于赵无极艺术生涯中最为关键、同时也在评论与市场层面备受推崇的一段时期。

1960年代中期，他完成了一次根本性的转向 - 从早期仍可辨识书法或「符号」痕迹的语言，转入更为开阔、层层铺展的抽象结构。在这些作品中，空间不再依赖地平线或具象母题，而是由光、密度与层次自行生成。

约1964至1969年，被普遍视为赵无极成熟语言真正稳定、凝聚的阶段。 《15.07.67》正是一件清晰而克制的代表作：画面建立在一片淡薄、近乎雾气般的底层之上，一个集中的深色核心在其中缓缓浮现；整体构图透过极薄、半透明的油彩层层叠加，让画面如水墨般呼吸、流动，而非被形式所封闭。

这种画面语言，来自多重文化经验的内化与转化。早年受教于杭州的赵无极，深受宋代山水空间观影响 -「虚」本身即为结构，距离具有节奏，空白并非缺席，而是主动形塑空间。

1948年后定居巴黎，他又吸收了战后抽象艺术在尺度与材料处理上的直接性。至1950年代末，他已刻意抽离书法笔迹的语义，使其不再作为「文字」，而转化为纯粹的动势与节奏。 1960年代初期，与亨利‧米修（Henri Michaux）的交流，以及与皮耶‧苏拉吉（Pierre Soulages）、汉斯‧哈同（Hans Hartung）之间的对话，进一步推动他对抽象语言的凝练。

1966至1969年，他的方法已完全成熟：画面底层趋于精简；光感透过稀释的罩染反覆叠加而重新被打开；深色并非厚涂，而是以半透明层层构筑；色彩则保持节制，以细微的蓝、绿与粉色调性进行调校。在冷暖交融、整体统一的色调之中，低彩度的色层彼此叠合，生成多层次而内敛的色彩变化。

亨利‧米修出席赵无极巴黎画展的开幕典礼

宋 米芾《春山瑞松图》｜台北故宫

赵无极曾如此说明他对空间的理解：「我非常欣赏米芾对空间的安排，这正是中国山水画与西方油画的不同之处。我的画面中常有看似空​​白的地方，但油画不像水墨那样容易渲染，因此我在『空』的部分反而比在『实』的部分投入更多心力。虚与实彼此推动所形成的节奏，决定了整个画面的重量分布，这对我影响极深。」

《15.07.67》一作，赵无极完美将宋画米芾作品里，天地之间的云水，这种仿佛不可见的存在，转化为现代油彩里的抽象流动，赵无极的留白，是气流弯转、回旋与暂时停歇之地，此作亦可说是宋画在当代抽象精神的实践。

在《15.07.67》中，所谓的「空」并非留白，而是被精心建构：一片珍珠般的灰白色场域，隐约渗入淡淡的赭色与冷性的中性底调，透过层层铺陈与稀释的罩染保持开放性。

画面中央的深色核心为构图提供稳定的锚点，却因其以薄层堆叠而非厚重堆积，始终保持通透。蓝绿色的段落为画面降温，而细微的粉色罩染则注入温度，在没有任何明确地平线的情况下，悄然建立起空间深度。

笔触的节奏尤为关键：在宽广擦拭之上的加速笔势、细小的流痕与柔化的扩散，形成一种受控而内敛的张力，汇聚于画面中心，同时在整个画面中引发细微的色彩震动。

可见的创作痕迹 - 细小的流动、快速的线条、介于雾面与丝缎之间的表面光泽 - 记录了一次在预先处理过的画布上完成的、迅速而专注的创作行动。偶尔出现的刮刀痕迹，则作为短暂的平面介入，为画面增添节奏上的转折。

本作局部

赵无极一生中经常以日期为作品命名，《15.07.67》亦沿用此一方式。这样的命名不提供任何叙事线索，而是将作品牢牢锚定于其生成的时间点，使观者直接引导回创作本身。

放在整个十年的脉络中，《15.07.67》介于1962-1964年较为密实、风暴感强烈的画作，与1968-1969年画面更为开阔、色彩有时更明亮的作品之间。它比前者更为敞开，又比后者在色调上更加克制。正因如此，1967年中期的作品常被视为该阶段最具代表性的标尺。

在赵无极1960年代的创作中，白色作品数量相对珍罕，是因为艺术家思想与技法已臻于成熟，开始能大胆挑战并成熟运用油彩呼应中国水墨的「留白」哲学。

对赵无极而言，「白」从来不是单纯的空白，代表他对于油彩如何坐落于空间的节奏已然完全掌握，因此《15.07.67》一作，恰是标志着赵无极身兼东方与西方艺术思想的重要代表之作。

刘炜（1965年生）《你喜欢肉？ 》油彩 画布

创作时间：1995年
尺幅：200 x 155 cm
展览：

• 1995年6月11日-10月15日「第46届威尼斯双年展 - 百年庆展览: 我相与他相」绿园城堡，威尼斯，意大利

出版

• 《第46届威尼斯双年展 - 百年庆展览: 我相与他相》Zanzibar，米兰，意大利 1995年（图版，无页数）

估价待询

在20世纪90年代中国当代艺术的激荡图景中，刘炜以其独特的「溃烂美学」，成为「玩世现实主义」思潮中最具内在颠覆力的代表。他的创作轨迹，是一条从外部社会符号的戏谑转向对存在本质进行感官化诘问的路径。

创作于1995年的《你喜欢肉？ 》正是这一关键转折点上里程碑式的宣言，200 x 155 cm的巨大尺幅首先构成了一种无法回避的物理性压迫，进而展开一场针对视觉伦理、人性欲望与绘画本体的爆烈拷问。

刘炜的艺术始于一个宏大叙事瓦解的时期。 1989年自中央美院毕业后，他与方力钧等人以「玩世」姿态回应理想主义退潮后的现实。这一代艺术家面对80年代文化启蒙热情褪去后的精神「真空」，选择以嬉笑、无聊、泼皮的姿态消解历史的沉重与现实的荒诞。

刘炜90年代早期的《革命家庭》系列以变形的笔触对父辈的军人形象进行个人化解构；至1995年，当「政治波普」成为国际瞩目的「中国牌」，迁居北京宋庄的刘炜却进行了一次彻底的向内转。

《你喜欢肉？ 》的诞生标志着他彻底跳脱了具体的社会政治符号指涉，毅然转向了欲望、肉体、生命与腐朽的人性领域。

刘炜乃「玩世现实主义」思潮中最具内在颠覆力的代表

刘炜《革命家庭系列（三人像）》

「红肿之处，艳若桃花；溃烂之时，美如乳酪」 - 鲁迅《随感录三十九》

《你喜欢肉？ 》构建了一座细节惊人的感官废墟。画面中央，一名被犹如砖墙般整齐分割的肉块所环绕的裸女，面对观者吐着舌头，以挑衅姿态坦荡展示私处；而其双眼却被几笔重彩粗暴涂抹封锁，仿佛已被剥夺观看/被看的交互，沦为某种被更高意志或集体欲望所规训的客体。其头部附近亦有多个男性器官图腾与乳白色黏稠轨迹，将原始的生殖冲动与历史发展的必然印记戏谑地刻印于画面。

细观之下，画面的「市井」气息弥漫视野：烟蒂、蝇虫乃至角落的污秽物，将这场肉体戏剧锚定在粗粝的现实维度。那些被精细描绘、如砖块般堆叠的肉格，每一块都像一帧记录时代欲望的电影底片。

不断重复的「YOU LIKE PORK」如同冰冷的质询，而随机出现的数字编码如「543183」、「034321」，则令人联想到计划经济时代商品编号或冷漠档案系统 - 人的肉体与欲望被彻底物化与编码，如同菜市场中明码标价的猪肉，个体在庞大的社会机器与欲望洪流中被简化为可被统计、交易和消耗的符号。

若将刘炜的「肉体剧场」与弗朗西斯‧培根并置赏析，二者皆致力于表现肉体的痛苦、扭曲与存在的焦虑。而培根笔下的人物常在抽象空间中呐喊，充满形而上的恐惧；刘炜则注重对肉体的强调，且注入更多世俗的「泼皮」感与直白的生物性隐喻，其批判更侧重于社会性压抑与个体在历史洪流中的处境，呈现出极具中国语境的具体荒诞。

弗朗西斯‧培根《Painting，1964》

刘炜《戏水美人1号》

本作局部

《你喜欢肉？ 》一作于1995年威尼斯主题展呈现，彼时的刘炜刚从央美毕业六年，却已是他第二次参与威尼斯双年展。此作从感官到精神内省的震撼，让国际艺坛更发现刘炜的才情之高 - 当同代艺术家借助历史创伤或文化符号进行叙事时，刘炜选择的一条更为根本的路径：直接剖析欲望本身，并将个体在社会结构中被物化、编码的生存状态，以极具感官冲击力的方式赤裸呈现。

而今回望，90年代中期的中国市场经济正高速发展，资本力量带来的纸醉金迷激起更多人性欲望，过往的意识形态也逐渐退场。

在《你喜欢肉？ 》里，往日的中国符号被削弱，且以政治波普退场后的欲望，精准预言了这个消费时代，可谓是90年代中国某一层面的精神产物。刘炜以绘画形式凝结时代心理，堪为中国当代诸多名家之作里的扛鼎之作，更可放诸四海而皆准。

《你喜欢肉？ 》标志着刘炜个人风格的成熟，更体现了90年代中国当代艺术中珍贵的内向探索。它超越了对特定政治语境的直接回应，将「玩世」与「泼皮」的生存姿态，淬链为一套兼具普遍哲学意涵与强烈感官冲击的美学语言。

此后，在刘炜的「风景」等系列中，我们仍能清晰辨识出源自这件作品的、对时间流逝、物质变异与身份消解的深刻凝视 - 这正是本作所奠定的、贯穿其创作的核心命题。

吴大羽（1903-1984）《京韵》油彩 画布 裱于纸板

创作时间：约1980年代
尺幅：53 x 38 cm
展览：

• 2001年3月9日-4月8日「吴大羽画展」国立历史博物馆，台北
• 2003年11月21日-12月10日「吴大羽油画艺术回顾展暨纪念吴大羽100周年诞辰」上海美术馆，上海

出版：

• 《吴大羽》大未来画廊，台北，1996年（图版，第109页）
• 《吴大羽画展》历史博物馆，台北，2001年（图版，第107页）
• 《上海油画雕塑院 - 吴大羽》上海油画雕塑院、上海世纪出版集团、上海教育出版社，上海，2003年（图版，封底及第129页）
• 《吴大羽》大未来画廊，台北，2006年（图版，第149页）
• 《海派百年代表画家系列作品集 - 吴大羽》上海书画出版社，上海，2013年（图版，第120页）
• 《吴大羽作品集》人民美术出版社，北京，2015年（图版，第135页）
• 《飞羽掠天 - 吴大羽作品集》商务印书馆，北京，2020年（图版，第167页）

估价：HK$8,000,000 - 12,000,000

吴大羽曾言：「人类的艺术是相通的，用不到分东西，艺术是一种语言，只有时代之分，没有地区之分。」

这番洞见，超越地域藩篱，直抵时代精神的共鸣。

他所开创的「势象之学」，植根于东方美学视野，弥补了中国现代抽象艺术理论的空白，其思辨与同期欧美现代思潮并驾齐驱，却又自成一脉，卓然独立，创建一个时代体系，吴大羽凭借坚韧的探索，完成了从具象到抽象的美学革命，从而奠定其作为中国现代艺术里程碑式先驱的地位。

《京韵》中，吴大羽将京剧舞台上的热烈气氛、流转光影与人物动态，悉数淬炼为纯粹的抽象韵律。他将那戏剧张力贲张的舞台世界，浓缩于方寸画布之中，凝聚为一种极具爆发力的表现性。

吴大羽为中国现代艺术的重要人物

画面结构繁复而紧凑，他有意以不同走向的笔触纹理与色彩块面分割平面，构建出多重空间层次，营造出丰满而强烈的视觉交响。

经过高度提纯，《京韵》中的具象元素已几乎完全融解于线条、色块与奔放的色彩之间。以层叠的红蓝重彩打底，敷之白色油彩勾线，他使用中国书法中撇、捺、折、钩的笔意，拆解形体为扭动韵律节奏。

画面中如旋风般卷出灵动的空虚，产生昂扬飞动之感；左下角干笔迅扫，似风旋电激，呈扶摇飞举之势。整幅作品成为其对绘画至高追求 - 「色在流转、形在跳耀」的最佳注脚。

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补图

李可染《五牛图》水墨纸本 立轴

尺幅：125 x 68 cm
题识：牛也，力大无穷，俯首孺子而不逞强，终生劳瘁事农而不居功，纯良温驯，时亦强犟，稳步向前，足不踏空，皮毛骨角无不有用，形容无华，气宇轩宏。吾崇其性，爱其形，故屡屡不倦写之。
钤印：「可染」、「可贵者胆」
鉴藏印：马佳氏、玉琪珍藏
估价：HK$

在中国现代绘画史上，李可染（1907-1989）以山水画名世，然而他笔下的水牛，却以其独特的精神内涵与艺术魅力，成为二十世纪中国画坛不可或缺的经典符号。他自题画室为「师牛堂」，将牛视为人生与艺术的导师，这份深情在其晚年所作的《五牛图》中，得到了最为凝练而圆融的展现。

李可染与牛的因缘，始于抗战时期重庆金沙坡下的一段农家生活。彼时他寄居农家，屋舍紧邻牛棚，一头壮大水牛日日相伴，「它白天出去耕地，夜间吃草、喘气、啃蹄、蹭痒，我听得清清楚楚」。这段朴素的回忆，既是画家爱国情怀的自白，亦是奉献精神的写照。在民族危难的岁月里，他从牛的身上看到了中国人坚韧不拔、鞠躬尽瘁的品质，更受到鲁迅「俯首甘为孺子牛」与郭沫若《水牛赞》的感染，从此以水墨写牛，寄寓深沉的民族情感。此后数十载，牛的形象伴随着他的艺术人生，直至晚年刻「孺子牛」印章，命画室为「师牛堂」，以牛的精神自励，这份执着体现了一位现代国画大师至真、至善、至美、至乐的精神追求。

《五牛图》正是这种精神追求在艺术上的完美呈现。画中五头水牛或立、或蹲、或卧、或仰首、或侧顾，姿态各异而神采生动，仿佛信手挥写，却又处处见出匠心。李可染画牛，不取唐人韩滉《五牛图》的工细描摹，亦非单纯的写实再现，而是以极简练的笔墨捕捉物象的神韵。淡墨晕染出牛躯体的浑圆厚重，浓墨点睛写蹄，焦墨勾勒脊背转折，尤其在脊椎处以重墨留白的方式，巧妙表现出牛既温驯又倔强的双重性格。这种「积点成线」的笔墨语言，既得益于师承齐白石对简洁韵味的追求，又融入画家对西画造型的借鉴，却以中国毛笔与传统线条化为和谐的画面元素，呈现出既有现代感又不失东方神韵的独特风貌。

李可染自题画室为「师牛堂」，将牛视为人生与艺术的导师

画面上方的长篇题跋，占去近半篇幅，字字雄健古拙，与下方水墨氤氲的牛群形成虚实相生的构成。题识中反覆出现的这段文字，实为李可染对牛的最高礼赞：「牛也，力大无穷，俯首孺子而不逞强，终生劳瘁事农而不居功，纯良温驯，时亦强犟，稳步向前，足不踏空，皮毛骨角无不有用，形容无华，气宇轩宏。吾崇其性，爱其形，故屡屡不倦写之。」这既是对牛的外形描写，更是对一种人生态度的咏歌。其中「足不踏空」四字，正是画家一生治艺、为人「实者慧」的真实写照。题跋的朴茂沉实与画中五牛的悠闲自在相得益彰，共同传递出天人和谐、回归自然的现代理想。

值得注意的是，李可染笔下的牛，虽寄寓着崇高的人格理想，却从不流于悲壮或沉重。相反，他以亲切欢愉的笔调，将牛的日常情态刻画得活泼可爱。无论是低头啃草的老牛，还是仰首呼应的同伴，都在画家笔下焕发着朴素的生命光彩。这种处理方式，使画作超越了单纯的道德寓意，而成为一首视觉的田园诗——它唱出春来秋往、诚实耕耘的人生感怀，跳荡着永不泯灭的赤子之心，呼唤现代人回归自然母亲的怀抱，唤起对宇宙万物发自内心的热爱。

存世的李可染《五牛图》极为罕见，此幅当为画家晚年艺术高峰时期的代表作。它既是为牛造像、颂扬牛的精神，又由牛图派生拓展出一系列优美的诗意联想。在二十世纪世界现代艺术的语境中，李可染的牧牛图系列以其静穆而壮丽、深邃而瑰丽、具体而抽象、朴质而微妙的特质，跃出了中国古典绘画的传统范畴，获得了崭新的现代精神品格。这是艺术家心灵流淌出的可视性语言，是写给现代人类最真挚的诗篇，也是「师牛堂」主人留给后世最珍贵的精神遗产。

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李可染的《五牛图》以外，中国书画部本季呈现五件张大千佳构，当中三幅为陈梦因先生旧藏。陈氏是二十世纪三、四十年代的著名战地记者，后来担任香港《星岛日报》总编辑，以笔名「特级校对」撰写美食专栏，开创美食写作的先河。三幅作品均由陈氏家族秘藏逾五十年，今次首现拍场。

张大千曾说：「以艺事而论，我善烹调，更在画艺之上」。张大千一生遍游三大洲数十个国家与地区，见多识广。陈氏自上世纪三十年代起，以记者之便，足迹遍布大江南北，不仅记录饮食见闻，更将民间习俗与风土人情熟记于心。张、陈两人相识，正如「棋逢对手、将遇良才」，由张氏1959年送赠《山厨清供》，题识中称「梦因仁兄」， 1967年《抚柏怀乡》称「梦因道兄」，直至1971年的家宴菜单中称「梦因道师」，二人的友情在岁月中逐步升华。张氏在艺事上一向以达者为师，不吝赞美之词，足见陈梦因先生的人格魅力。

第四件作品《清溪琴韵》，则作于五十年代初，当时张大千慷慨捐出此画，为香港东华三院筹款，记录了一段香江善举，恰与画中典故遥相呼应。

张大千画荷无数，对荷花之美的探究和表现无人能及，被誉为「古今画荷的登峰造极」。今次第五件作品，便是绘于1960的佳构《风荷图》。

张大千《山厨清供》设色纸本 镜心

创作时间：1959年
尺幅：36 x 48 cm
题识：己亥（1959年）六月，写似梦因仁兄，郇厨佐供，大千弟张爰。
钤印：「张爰长寿」、「张大千长年大吉又日利」
估价：HK$300,000 - 400,000

题识中的「郇厨」一词出自唐冯贽《云仙杂记·卷三·郇公厨》，记载唐代袭封郇国公的韦陟不仅精于烹饪美食，其他人每次拜访他，必酒足饭饱而归。后以「郇厨」代称盛宴。

画中丝瓜与萝卜是寻常之物，大千以没骨法写就，清趣十足，谦虚地表示只能「佐供」于陈氏，体现出旧时文人间的君子之交。

张大千经常掌勺下厨

张大千《菜单​​》水墨纸本 镜心

创作时间：1960年
尺幅：32.5 x 68 cm
题识：六十年（1971年）六月廿七日，命家人治具，敬邀梦因道师、北人、鹏飞诸公伉俪可以居小聚。梦因肴馔擅名当世，视此山厨里味，不将停箸莞尔耶。舍弟目寒明日即返台湾，门人方召麟昨日来自香港，同预此会，尽半日之欢。相邀、水爆乌鲗、宫保鸡丁、口蘑菽乳饼、干烧鳇翅、酒蒸鸭、葱烧乌参、锦城四美、素会、水铺牛肉、蜜南、西瓜钟。
估价：HK$400,000 - 600,000

菜单中将大千对待至友亲朋的尊重与珍视体现得淋漓尽致，在画幅左侧开篇，由张氏命家人准备宴席流程，陈梦因先生为主宾，名字赫然出现在首位。同席还有画家侯北人（1917 - 2025）张韵琴夫妇、学者陶鹏飞（1909 - 1999）张闾瑛夫妇均是大千在加州的至交好友，另外同宗族弟张目寒（1900 - 1980）、大风堂门人方召麟（1914 - 2006）作陪，让宾客们​​都能得到妥贴的照顾。

接下来便是十二道精心准备的菜肴，由大千亲自掌勺，川菜、粤菜、淮扬菜、自制菜，以照拂多方口味。其中第一道菜「相邀」的人情味与思乡情最浓。

「『相邀』是一道汤菜，材料有海味，冬菇，肉，菜干和时令蔬菜，其实就是一盆平常的大杂烩。起源1963年，大千先生的长女张心瑞，从大陆到巴西探望父亲，大千先生特她设生日宴，把这道大杂烩命名『相邀』，寓意亲友相邀，欢庆聚首。从此之后，这道『相邀』便经常列入大千先生宴客的菜单中。」（摘自《我们两代人的〈食经〉故事》方晓岚、陈纪临着）

张大千在卡梅尔海滩柏树前（侯北人拍摄）

张大千 《抚柏怀乡》设色纸本 镜心

创作时间：1967年
尺幅：127 x 46 cm
题识：今夏避暑嘉美娥海滨，至多古柏。既还三巴忆写此幅，寄呈梦因道兄教正，兼带问询也。丁未（1967年）中秋后一日，大千弟张爰。钤印：「张爰之印」、「大千居士」、「大风堂」
估价：HK$2,000,000 - 3,000,000

在1967年7月至9月期间，张大千在美国加州举办两个重要展览并出版画册，分别是美国史丹福大学举办的「张大千画展」以及 Laky画廊举办的「张大千卡梅尔画展」，取得热烈反响，极大地扩张在美国的影响。

第二年夏天，张氏就在卡梅尔城购宅，是为「可以居」，正式开启旅美生涯。

张大千画展书影

1968年夏天，张大千与徐雯波在卡梅尔城购宅，名「可以居」

他彼时的画作题识常将Carmel译作「嘉美娥」或「佳美娥」。此幅《抚柏怀乡》便是张氏在加州接连两个繁忙的画展后，未能逐一拜会好友，于是回到巴西后潜心创作，再寄给陈梦因，以示对挚友的挂念与尊重。

画面近景，大千以赭石、石绿铺底写山石，以浓墨绘出黄栌的灌木类植物。占据正中的古柏忽拔地而起，作顶天立地之姿，大千施淡赭渲染枝干，用枯笔勾勒皴擦、加以花青晕染树叶，最后以墨色浓淡分出阴阳，一派苍润遒劲景象跃然纸上，十分夺目。高士一般是大千在画中的投射，此时只露出半身，衣冠线条超逸绝伦，随着视线似在驻足沉思、又似疾步远行，是近乡情怯亦是思乡情浓？

整幅画面由近及远，色调逐渐明亮，恰到好处的留白，呈现一种蓬勃向上的生长动力。张大千此时在海外旅居多年，已将中西文化精髓熔炼于胸，在贝多芬《第六交响曲》与陶渊明的《桃花源记》 中汲取灵感，或是先生与海外华侨们一生在寻求的精神家园。

张大千 《清溪琴韵》设色纸本 镜心

创作时间：1951年
尺幅：72 x 40 cm
题识：琴弹流水高山操，竹引苍龙翠凤吟。辛卯春，大千居士爰。
钤印：张爰、大千。
题跋：谢汉良医师，为吾粤谢培初先生令嗣，家学渊源，擅活人术。凡内外科以及奇难杂症，求治于门者，甫奏刀圭，无不应手立效，人皆以卢扁称之。兹谨以张大千名画一帧奉贻，并泐数言，借彰善行益以杏林在望，俾患病者知所问津焉。癸巳年（1953年），东华三院主席冯汉柱谨识。
出版：香港东华三院印行：《张大千先生画集》，图版16，泰华印刷公司承印，一九五一年九月
估价：HK$450,000 - 600,000

1951年，张大千从印度大吉岭短暂回港。适逢香港东华三院八十周年筹款，急公好义的大千先生捐出三十幅近作山水，于荔园及月园举办义卖展览。当时由时任东华三院主席冯汉柱购入本作，后于1953年转赠好友谢汉良医师，由谢氏家族珍藏至今，见证了五十年代初香港名流间的交谊往还。

1951.5.18 香港工商日报，张大千慷捐杰作义卖

1951.6.19 香港工商日报，在月园游艺会展览，张大千赠画

虽晚年追忆大吉岭岁月十分悠闲，但研究指出，大千先生当时其实生活困顿，且受限于香港当时的移民政策，仅能短暂停留。在这种孤悬海外的漂泊感中，他透过创作传统中国山水来进行「身份确认」。本作虽作于异乡，却采用传统山水主题，并以石青勾勒山石，辅以中锋渴笔与披麻皴，展现出坡体的立体厚度。

东华三院八十周年纪念假荔园举行恭善捐募大会

冯汉柱

《张大千先生画集》封面

作品构图采取传统「一河两岸」，前景描绘高士弹琴、童仆侍侧，伴以小桥流水与苍翠竹林。画面平淡自然、俊秀清润，虽无惊人之笔，却散发出淡远迷茫的烟岚逸意。这不仅是大千先生神游故国的情感寄托，更是他当时在动荡岁月中的精神支柱。

诚如大千于画中所题「琴弹流水高山操」，他借伯牙、子期「高山流水觅知音」之典故，将传统文人寻觅知音的期盼寄托于笔墨。从画家慷慨捐画助人，到医者悬壶济世，此作的递藏过程恰好构成了一种现实中的「知音相惜」。

《张大千先生画集》目录

《张大千先生画集》清溪琴韵

张大千《风荷图》设色纸本 立轴

创作时间：1960年
尺幅：193 x 102 cm
说明：此件作品绘于大风堂特制罗纹纸之上
估价：HK$4,000,000 - 6,000,000

1960年初，大千先生有欧亚远行，返巴西后，未受旅途劳累影响，反见充盈，创作热情高涨，多帧尺幅巨大之力作即定成于此时，如《华岳高秋》、《夷陵三游洞》、《黄山倒挂松》等。

本幅见白荷迎风起舞于叶块掩映间，正是画家擅于处理的题材。他运笔疾速如飞，带动花叶摇曳招展，充盈于画面空间；墨色交融，饱含水分，益显滋润淋漓。

本作題識

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元/明 铜黑漆嵌螺钿婴戏图镜

直径：49 cm
来源：

• 法国私人旧藏
• Thierry de Maigret，巴黎，2013年6月19日，编号257

估价：HK$5,000,000 - 6,000,000

中国铜镜历史悠久，距今三千多年前的齐家文化已有冶炼，早期以几何及神仙瑞兽纹饰为主；螺钿工艺亦早于西周已经萌芽，然及至唐朝才开始成熟，出现结合漆背铜镜以作装饰的艺术品。

到了元明时期，螺钿技术已经取得重大突破，凭借「壳片古者厚而今者渐薄」的软螺钿工艺，制作出更为精致绚丽的铜镜。

本品即为箇中代表作。匠人以高超的软螺钿技法，让其时流行的「百子婴戏图」跃然于大型铜镜背面，将流光溢彩的视觉艺术与祈求宗族繁盛的吉祥祈愿交融于一物，乃市场中甚为鲜见的佳品。

本品局部

本品局部

镜背以沉静古雅的黑漆为底，嵌饰斑斓螺钿，构图层次井然，宛若徐徐展开的卷轴。中心置穿孔镜钮，紧依其外的钮座巧饰「双龙戏珠」纹样。两条游龙首尾相接，在环绕四周的花树螺钿间盘旋，寓意吉祥。而镜背边缘外区，匠人以湖泊、荷塘与婆娑树影萦绕，为中心的群童嬉闹勾勒出一座清雅幽静的庭院。

庭院处，一幅全景式的百子婴戏图正热闹上演。一般而言，百子的「百」是虚数，只是泛指多而已。在本品之上，匠人则精心镶嵌出整整一百位神态各异的稚童。仔细观之，童子或挥毫泼墨、或抚琴对弈，尽显文雅遗风；有的则在嬉笑间放飞纸鸢、骑着马、扑打春蝶。

画面还定格了诸多精彩的民间杂技：两童合力扶起高竿供同伴攀爬、赤膊的孩童们正表演倒立，更有一稚童头罩威风凛凛的龙头道具，张开的龙嘴里探出一张憨态可掬的小脸，妙趣横生。

移步至画面边缘的荷塘，两名赤身孩童正戏水采莲。莲音谐「连」，结合图中一百位孩童的确切数目，将古人「连生贵子、百子千孙」的宗族祈愿化作这满盘彩钿。

本品局部

唐 螺钿云龙纹镜｜中国国家博物馆

回溯盛唐，匠人多采用厚实的海贝，是为硬螺钿。硬螺钿片面积一般较大，主要呈珠白色，嵌于黑漆上虽显黑白分明，但彩色光泽却表现有限，且因材质较厚，雕琢受限，难以描绘精细纹饰。

此后的匠人另辟蹊径，剖取鲍贝内层更为轻薄的珠光片，是为软螺钿；薄如蝉翼的蚌片保留了天然的虹彩折射。得益于软螺钿技艺，本品达到了《髹漆录》所言「分截壳色」、「随类赋彩」和「光华可赏」的嵌填境界。

观此镜，婴孩衣服便有青绿、娇黄、嫩粉等诸般色泽。元朝成书的《癸辛杂识》曾载，当时的螺钿屏风已能镶嵌复杂的图画与细小文字，再看本品图中树木枝叶，皆由细微蚌片拼嵌，可见匠人精雕细琢之功。

本品直径达到49 cm。青铜铸造冷却时易变形龟裂，欲成一块直径半米且光洁平整的镜胎并不容易，加上非凡的螺钿艺术，当初的主人必然显赫相当。

明永乐 铜鎏金金刚手菩萨「大明永乐年施」款

高度：20.3 cm
来源：

• A&J Speelman，伦敦London

估价：HK$3,000,000 - 4,000,000

在佛造像收藏领域，Speelman这个名字几乎就是品质与权威的代名词。正如陶瓷界的仇焱之或Eskenazi，自1975年A & J Speelman在伦敦创立以来，藏家对「顶尖佛像」的认知，一定意义上是由这间古董商号所定义的。

2017年，保利香港秋拍呈献三尊Speelman旧藏的永乐宫廷忿怒相造像，大威德金刚（HK$1.32亿）、胜乐金刚（HK$6,254万）、吉祥喜金刚（HK$5,546万）统统天价易手，至今仍是收藏界津津乐道的传奇。

今回举槌的为金刚手菩萨坐像，铜制鎏金，上刻「大明永乐年施」款，原装封底錾刻十字金刚杵，垛口尚余朱砂之赤色。金刚手菩萨，又名秘密主，因手持金刚杵而得名，在密显两宗皆占有重要地位。密宗信仰中，金刚手与观音、文殊合称「三族姓尊」，分别代表「伏恶、慈悲、智慧」；显宗信仰里头，则与观音、弥勒、文殊、普贤等合称八大菩萨。

金刚手菩萨在艺术表现上多呈威猛凶悍的忿怒相，如本尊般呈现宁静安详、法相寂静的姿态，在存世实物中较为罕见。这种独特的法相，赋予了造像一种超脱尘俗的内敛力量。

本品背面与侧面

永乐宫廷造像之所以不惜工本、精妙绝伦，背后隐藏着深刻的政治考量。

藏传佛教踏入后弘期以后，形成诸多派别，各领风骚。至元朝，萨迦派受朝廷重用，第五代法王八思巴更成为忽必烈的帝师，地位之高可想而知。惟元灭明兴后，萨迦派不再独大，与噶举派及格鲁派形成鼎立局面。

西藏位处边疆，文化又和中原大相径庭，中央难以直接管治，借助宗教力量成为了重要手段。由于没有派别能独领风骚，永乐帝决定分散风险，遂借宗教力量对雪域高原施行安抚政策。

无论背后原因是笼络或是崇佛，许多永乐宫廷佛像就在此情况下赠予西藏高僧、政要、寺院。正因这段历史，这批珍宝在藏地获得了极佳的保存。

本品展现出富丽华贵的宫廷气息

此尊21cm 高的金刚手菩萨，展现了经典的明初宫廷美学。

菩萨束发高髻，头戴五叶宝冠，顶饰摩尼宝珠，白毫突显，双唇微抿，面露和煦神采。右手上举，手持金刚杵，乃金刚手菩萨之标准特征；左手置前胸，拇指抵中指，结降魔伏恶的期克印，意态传神。帛带绕肩下垂，线条流畅如丝，展现了永乐匠人对铜铸工艺的驾驭；身上璎珞精细夺目，展现出富丽华贵的宫廷气息。

存世的永乐宫廷金刚手菩萨甚为稀见。目前已知布达拉宫藏有两尊近例，载于冯·施罗德（Ulrich von Schroeder）的权威著作《西藏佛教雕塑》。此外北京首都博物馆亦有一例可考。

这尊造像不仅是Speelman旧藏的又一遗珍，更是研究永乐朝汉藏艺术融合、宗教外交策略的历史文物。

十四世纪 铜鎏金释迦牟尼说法像

高度：52.5 cm
来源：

• Capriaquar，佩斯卡拉 Pescara，意大利

展览：

• 布鲁塞尔东方艺术博览会，2012年6月6日至10日

估价：HK$1,500,000 - 1,800,000

上述永乐造像，乃宫廷严格制式下诞生的瑰宝。相对而言，以梵相为主轴的十四世纪藏汉风格造像，则更具未完全程式化的自由美感。

佛陀肉髻高耸，宝珠顶严，头饰螺发，排列整齐，绀蓝涂饰。脸相圆润，天庭饱满，眉毛长细上挑，额心饰水滴状白毫，头部两侧簪花同样镶嵌松石，做工精巧别致。

双目半睁，眼神向下俯视，鼻梁英挺，鼻头下勾如鹰嘴，唇部厚而丰满，嘴角上扬，双耳长垂，面带微笑，法相祥和慈悲。

嘴角上扬，双耳长垂，面带微笑，法相祥和慈悲

佛像身躯比例匀称，小腹微突，肌理富有弹性，四肢圆润，手指修长灵巧。左手袖口采用留空方式，增加了袈裟的灵动感，足见匠心。

袈裟表面不饰衣褶，若薄衣贴体，躯体线条毕现，仅在左肩和双腿间的袈裟下摆形塑波褶密集的扇形褶纹，衣服边缘錾刻花叶纹饰，饶富尼泊尔装饰意趣。佛像身穿右袒式袈裟，覆盖左肩，原为古代印度表示尊敬之礼法。

此尊十四世纪释迦牟尼说法像，铸造精良，鎏金饱满，色泽沉静，细处刻画细腻传神，兼具藏传与中原造像艺术特征，乃十四世纪佛教造像艺术佳作。

明永乐 龙泉窑青釉玉壶春瓶

高度：31.4 cm
来源：

• 瑞士楚格私人收藏

估价：HK$2,800,000 - 3,500,000

久负盛名的龙泉窑青瓷源于五代，终于清末，历经千年岁月之久。以往文献多对宋代龙泉有详尽记述，对明朝龙泉则往往一带而过。事实上，这个「民窑巨擘」在明初之时，迎来了最后的辉煌时光。

元末明初，景德镇窑业竞起，青花、釉里红、一众单色釉百花齐放，对以釉色见长的龙泉窑产生了刺激作用，令后者开始改良工艺。 《大明会典》记载，洪武年间，朝廷供用器曾经「行移饶、处等府烧造」。

饶、即饶州，指景德镇；处、即处州，指龙泉窑。由此可见，明初龙泉曾与景德镇同时为宫廷提供御用瓷器。龙泉青瓷釉色柔婉温润，质感有如天然宝石，一直深受皇室喜爱。

本瓶承永乐典范，釉色苍翠温润，釉质肥厚莹泽，质感如脂似玉。整器不施纹饰，素雅端庄，为明初龙泉青瓷上乘之作。

本瓶秀雅匀称，曲线婉约动人，与苍翠青釉极为匹配

中国瓷器美学史上，玉壶春乃经典造型，与梅瓶、赏瓶并称「瓶中三宝」；在鉴藏界之中，玉壶春与梅瓶又被视为淑女君子的象征。

玉壶春指造型为撇口、细颈、硕腹、圈足的瓶式，早在隋代已经出现。据考究，玉壶春名字出自唐朝《诗品·典雅》：「玉壶买春，赏雨茆屋」。古代人称酒为春，买春即买酒，玉壶春最初正属酒器。传统古玩圈认为，玉壶春瓶曲线优雅，正好代表女性体态之美；梅瓶丰肩小口，则代表君子品德。

本瓶秀雅匀称，垂腹圆润，圈足稳健，曲线婉约动人，与苍翠青釉极为匹配。

清雍正 仿汝釉弦纹如意耳尊「大清雍正年制」款

高度：23 cm
来源：

• 日本宇泽大名前田氏旧藏
• 富山收藏家驹氏旧藏
• 经由东京美术俱乐部大会出售至现收藏家

估价：HK$1,500,000 - 2,000,000

中国陶瓷发展至宋代，在单色釉的追求上达到了极致，其中又以闻名天下的汝窑称王。

虽有宋瓷珠玉在前，但后世帝王无不追慕此等极简美学，雍正帝更是当中的佼佼者。这位以品味高雅、要求严苛著称的君王，将宋人对天青色的执着，完美复刻至大清御窑之中。

在釉料配比与呈色上，本品取法宋器之精髓，通体施仿汝釉，釉色匀净浑一，似雨过天青，素雅不艳。釉汁腴厚莹润，光泽温润似玉，流转出幽微乳光；细看之下，又见整器满身开片，更添几分冰清玉洁之感。

本品为东瀛藏家辗转递藏

此尊高23 cm，撇口、弧颈、广肩、圆鼓腹，腹下部内收；底部为外撇圈足，颈部与腹部点缀数道凸起弦纹，整体比例饱满匀称，端庄古雅。这种器形可溯源至商周时期的青铜礼器「尊」，符合清帝慕古情怀。

肩部两侧的「如意形双耳」尤为别致。如意不仅是经典的宫廷珍玩，也寄托了皇家祈求海晏河清、吉祥如意的美好愿景。

单色釉瓷器独特的东方禅意与极简美学，向来深受东瀛藏家垂青。此尊早年曾为日本宇泽大名前田氏雅蓄，后转入富山县私人藏家驹氏之手，最终经由「东京美术俱乐部」释出。

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天然翡翠珠项链，共 38 颗，最大翡翠珠约 14.48 mm，配红宝石及钻石扣，镶金，项链长约 59.0 cm

注：附香港玉石鉴定中心证书
估价：HK$20,000,000 - 40,000,000

所谓「瑕玉巧琢，美玉不琢」，天价成交的经典翡翠珠宝，往往都是保持素面无饰，以展现自然材质极致纯正之美。

拍卖史上最贵的翡翠首饰，属于美国名媛Barbara Hutton旧藏的珠链，于2014年在香港以HK$2.1亿易主。 2023年，保利香港亦以HK$6,000万金额，拍出史上最高成交价的翡翠手镯。

这次拍卖的翡翠珠链，色调纯正深邃，质地细腻，水头盈润，隐现幽幽莹光；38颗玉珠宛若一体，最大直径达14.48 mm。中间配以红宝石搭扣作点缀，翡翠沉静，红宝石明艳，两者交相辉映。

纵观古今玉石，翡翠素有「玉石之王」的美誉。玉分软硬，有别于软玉的温润如脂，翡翠作为硬玉代表，质地通透，经打磨后能呈现澄澈明亮的光泽，常与西方宝石合制首饰。

翡翠色相万千，要评定优劣，需综合考量颜色、质地（种）、透明度（水）与形制。唯有兼具色调浓丽、种质缜密、水头澄澈的翡翠，才算是佳品。顶级翡翠为保留天然本色，往往舍弃繁复刻划，以蛋面、手镯或珠链形制示人。

要琢玉成珠，串联为链，往往需耗费大量石材。翡翠项链最重和谐，珠粒之间色调稍有偏差，便会显得突兀。为求全链质色均配，工匠需在珠坯中反覆淘选，去芜存菁，常折损数倍于成品的材料。在翡翠产量有限的情况下，种水纯净、无瑕无裂、珠径硕大一致的项链极为珍贵。

中国传统哲学中，圆珠象征圆满。将众多圆珠串连成链，首尾相接，形成闭环，寓意「生生不息、周而复始」。

珠链形制可追溯至清代，翡翠从缅甸传入，深受慈禧喜爱，地位甚至超越传统的羊脂白玉。当时顶级翡翠被精琢为串串朝珠，只有皇帝、后妃，以及文官五品、武官四品以上才有资格佩戴，是权力与身份的象征。

古人尚玉，佩玉传统由来已久。儒家文化中，君子常比德于玉，借佩戴玉石警惕自身，时刻保持高洁品格。此外，玉石深埋地底，古人深信当中蕴含天地精华，佩戴在身能平衡阴阳气血，又有辟邪挡灾的作用。

「紫气东来」天然紫罗兰翡翠配钻石耳环及戒指套装

天然紫罗兰翡翠蛋面，翡翠尺寸约 22.00 - 22.07 x 9.10 mm 及 21.01 - 21.10 x 9.30 mm，配钻石，镶金，耳环长约 2.6 cm，戒指 6¼ 号
注：附香港玉石鉴定中心证书
估价：HK$1,200,000 - 1,800,000

绿为尊，紫为贵。在翠绿盎然的生机之外，尚有一抹更为矜贵的「春色」（紫罗兰翡翠雅称）。

古有老子出关之说，东方紫气氤氲而至，预示圣人降临。自此，紫色一直表祥瑞之兆，亦寓帝王之尊。这套名为「紫气东来」的天然紫罗兰翡翠套装，将这份福气延绵的文化意涵，凝练于璀璨的珠宝之中。

套装主石尺寸难得，三颗蛋面分别镶为成对耳坠与戒指，耳坠与指环的主石尺寸分别约为 22.00 - 22.07 × 9.10 mm，以及 21.01 - 21.10 × 9.30 mm，直径皆逾2 cm。

翡翠蛋面对切割与打磨的要求极为严苛。从原石雕琢至弧面饱满、触感平滑，除仰赖严格工艺把控外，过程中需褪去大量原石，成材率低。故此，从同一块原石中，取三颗体积、颜色与质地相当匀称配对成套，实为难得。

行内常言「十春九木」，紫罗兰翡翠受限于地质成因，色浓者往往晶体颗粒较粗、水头稍欠。然本拍品肉质均匀，色泽淡雅，底子莹润若凝脂，展现了一番紫翡的温润气质。

钻石与镶金工艺成为称职的绿叶，不掩紫翡柔润光泽，每一颗饱满蛋面周围，以20颗白钻作众星拱月般环绕，衬托出淡紫罗兰的恬静优雅，恰如其分地诠释了「紫气东来」。

9.98克拉哥伦比亚祖母绿 配钻石戒指 未经注油

注：附Gübelin及GRS证书
估价：HK$1,000,000 - 1,500,000

如果说钻石代表永恒，那么祖母绿则象征丰饶与重生。自古以来，这种带着醉人色泽的绿宝石俘虏了无数芳花，从埃及艳后克里奥佩脱拉，到一代影后伊莉莎伯泰莱（Elizabeth Taylor），无不趋之若鹜。

虽然祖母绿产地众多，但哥伦比亚在藏家心中的地位始终无可取代。这个南美国度的祖母绿带有微量的铬与钒元素，闪耀着带丝绒感的深邃翠绿光彩，当中的优质出产更拥有极高净度与极少可见内含物。

由于天然祖母绿一般多有裂隙（称为「花园」Jardin），大部份都会作注油处理以掩盖瑕疵，而「无注油」和「注油」的价格往往以倍数计。这枚哥伦比亚祖母绿重量几近10克拉，且无需人工辅助来修饰，自然是难得珍品。

哥伦比亚祖母绿的品质冠绝全球

本品采用典型的「祖母绿切割」（Emerald Cut），阶梯式刻面如同反射的镜子，让光线在宝石内部层层反射，产生一种沉稳且高级的光泽感，与祖母绿优雅且内敛的贵族气质契合。

由于这种阶梯式切割拥有开阔平坦的台面，不利于掩盖内含物，故只有高品质的宝石才适合使用。与此同时，这种切割方式特有斜角设计，能有效保护相对脆弱的祖母绿，使之在佩戴与珍藏中更显韧性。

据国际拍卖行统计，祖母绿已经连续十多年保持年度一成的涨幅。 2022年，一枚拥有400年历史、重5.27克拉的祖母绿戒指在纽约苏富比举槌，估价仅为US$5万，结果在炽热竞投下以近US$120万的惊人金额售出。

百达翡丽（Patek Philippe）Ref. 5980/1A-001 Nautilus  精钢自动飞返计时链带腕表，备日期显示

制造年份：约2008年
估价：HK$

翻阅各大拍行的年度报告，会发现近年其中一个大趋势是奢侈品、尤其是钟表板块，表现相当凌厉，业绩屡创新高。在目前的拍卖市场中，尽管品味日益多元，但像百达翡丽Nautilus（鹦鹉螺）这种独特、稀有、品质优越的腕表，始终是许多藏家的首选。

Nautilus之所以跨越半个世纪依然一表难求，核心在于钟表设计大师Gérald Genta以之重新定义「高级运动表」，打破了贵金属与正装表的垄断。这个系列仿佛向钟表界宣告：真正的价值不必受限于黄金或钻石的重量，设计本身已经可以是跨越时代与地域的奢华。

今年正值Nautilus诞生50周年，保利香港带来占据特殊地位的Ref. 5980/1A，延续藏家对这款经典「蓝面」的热爱追捧。

钟表设计大师Gérald Genta

Ref. 5980于2006年诞生，此前Nautilus家族从未出现过计时功能。对于追求功能性与运动感的藏家来说，5980/1A标志着Nautilus从单纯的优雅运动表，正式迈入「复杂功能」的领域。

Ref. 5980最令人津津乐道的，莫过于6点钟位置的「Mono-counter」单一计时盘。不同于传统计时码表的三眼或二眼布局，百达翡丽将60分钟与12小时计时盘重叠在一起。这种设计不仅保持了Nautilus标志性的横纹表盘简洁美感，更展现了表王对平衡美学的偏执。

表壳内搭载百达翡丽自家的CH 28-520 C自动上链机芯。这枚机芯结合了传统的星轮计时（Column wheel）与现代的垂直离合（Vertical clutch）。垂直离合好处在于，可以让计时大秒针保持运转作为「大秒针」使用，而不会增加机芯磨损。它又具备飞返计时（Flyback）功能，无需停止即可重启计时，此乃其时极为先进的配置。

Ref. 5980/1A已经于2014年停产，这使得原汁原味的「钢壳鹦鹉螺计时款」在市场上愈趋稀缺，成交价可达百万港元水平。

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保利香港拍卖｜2026年春季拍卖会

台湾精品巡展

时间：2026/3/14-15，11am-6pm
地点：微风南山艺文展览中心3楼（台北市信义区松仁路100号）

香港预展及拍卖

时间：2026/4/3-8，10am-6pm
地点：信德中心4楼（香港干诺道中200号）